tag:blogger.com,1999:blog-1966909561907938922024-03-19T18:59:38.898+08:00默泉的音樂筆記音樂家訪問/音樂會評論/音樂事雜談默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.comBlogger58125tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-39269073272472876482019-07-12T11:55:00.003+08:002019-07-12T12:05:08.313+08:00冰封世界裡的獨行者:Glenn Gould<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-p-nOcIbRRM7A_jHsOV454twMGMqhxibCYHl8p_qBDgLBce1lrNM54m8ArOfN6SB7vlNSczzHY4ctv7kWg4UE5CF0pDezbVgeHammoMIabHoqAiZrKPtjsGou8Hhf69W1nyOhDJCN9AjV/s1600/1*t6ikVuAH-Kl0CR4bO8G42g.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="400" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-p-nOcIbRRM7A_jHsOV454twMGMqhxibCYHl8p_qBDgLBce1lrNM54m8ArOfN6SB7vlNSczzHY4ctv7kWg4UE5CF0pDezbVgeHammoMIabHoqAiZrKPtjsGou8Hhf69W1nyOhDJCN9AjV/s400/1*t6ikVuAH-Kl0CR4bO8G42g.jpg" width="400" /></a></div>
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(一)<br />
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有一位去世三十多年的鋼琴怪傑,其怪癖之多和琴藝之高,在他生前死後,都是人們熱衷談論的。
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<br />
先說怪癖。他彈琴時總是攣弓蝦米,頭垂得低低的,鼻子幾乎碰到琴鍵。他永遠坐在同一張由父親手造的小木椅上演奏,就算破爛了也不更換。錄音時,他會不自覺地跟著旋律哼唱,所以留下的鋼琴錄音裡,都隱約聽見一把喃喃吟哦的鬼魅男聲。此外,無論春夏秋冬他都會穿著厚大衣。他長期為自己處方各種藥物、經常看醫生、討厭正常社交、絕不與人握手,但喜歡半夜打電話給熟朋友,熱烈討論自己感興趣的話題,或播放新近灌錄的作品給對方聽。<br />
<br />
有人認為這些怪癖是刻意經營的,以製造突出形象。已過世的學者Edward Said便認為,他是「quite consciously set about making himself interesting and eccentric」(有意識地令自己看來有趣和怪雞)。不過今天回看這位仁兄的怪癖,我們很容易聯想到心理疾病,譬如阿氏保加症(聰明版自閉症)。所謂「怪癖」,很可能是他無法自控的病徵。<br />
<br />
時至今日,他仍是個被gossip對象。但隨著肉身化作塵土,我相信,未來人們念念不忘的絕非其古怪行徑,而是他留下的偉大錄音。就像誰也不會在乎蕭邦曾經因為情傷,傻呼呼地跟情史一大籮的強勢女子George Sand走在一起;我們只記得他和Sand在Majorca過冬時寫下《廿四首前奏曲》(Op. 28)。<br />
<br />
不過這或許不是很好的類比,因為怪傑認為蕭邦的音樂是垃圾。I don’t think any of the early romantic composers knew how to write for the piano. 他這樣說過。<br />
<br />
鋼琴怪傑的另一「怪」,是其叛逆精神。他堪稱「一曲成名」的典範,在廿三歲那年他灌錄第一張唱片,彈了一首乏人問津的巴哈作品《Goldberg Variations》。<br />
<br />
當時人們的共識是:巴哈的鍵盤作品,應該用羽管鍵琴(harpsichord)來彈才對,用鋼琴彈是不入流的。但怪傑的唱片推出後大受歡迎,這個共識迅即變得不入流。怪傑的演奏速度驚人,充滿迷人樂思和爆發力,將複調音樂演繹得活潑多姿,一掃巴哈向來的沉重單調;人們更發現用鋼琴彈巴哈鍵盤作品,比羽管鍵琴更好!一個全新的鋼琴巴哈時代於焉誕生。<br />
<br />
但故事未完。1955年的錄音成了很多樂迷心中的終極版本,然而怪傑卻不願被「昨日的我」縛死。1981年,即他猝死前一年,他再度走進錄音室,用全然不同的速度和演繹方式,重錄《Goldberg Variations》。<br />
<br />
人們在錯愕中聽著兩個迥異的版本,有些人無法接受,有些人十分喜歡,但大家都同意:他確是個叛逆不覊的奇才。<br />
<br />
這位特立獨行的鋼琴怪傑,就是加拿大出生的Glenn Gould(1932–1982)。CBS唱片公司推出新版《Goldberg Variations》不到一個月,Gould便因中風逝世,享年五十歲。此曲竟是他的起點和終點,有如畫了個圓。世事的確奇妙。<br />
<br />
(二)<br />
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一曲成名後,Glenn Gould到處演奏,大受歡迎,但九年後,他選擇離開舞台,沉醉於製作廣播和電視節目,但仍繼續灌錄唱片。<br />
<br />
於盛年停止公開演奏,除了害怕群眾,也因為他是極少數讚賞「recording」多於「live concert」的音樂家。大部分演奏家在錄音時會失去「光彩」,所以他們喜歡live演出,但Gould卻相反,他推崇「錄音是一種藝術形式」。他認為,音樂會令演奏者變成「雜耍員」(a vaudeville performer),只顧著取悅觀眾,反而在錄音室裡了無干擾,才足以成就真藝術。<br />
<br />
很難說他是否真心相信這論調,但毫無疑問他是個「control freak」(控制狂),錄音後可無限次作剪接,正好滿足他控制一切的怪奇心理。他的不少錄音都是親自操刀剪接的。<br />
<br />
Glenn Gould就是如此奇特而不顧世人眼光的異士。他在廿五年後重錄《Goldberg Variations》,也是大出人們意表的事。<br />
<br />
Gould絕少重錄一首樂曲。他講過:「如果你沒什麼新的東西想說,又何必費神錄一首作品(If you haven’t got something new to say in a recording, don’t bother saying it)。」當他重錄《Goldberg Variations》,等於向世人表示:「我有新嘢要講!」而這「新嘢」也非常明確;在經歷半生後,他對巴哈有了一種更内在的、更精神性的領悟。<br />
<br />
1981年版除了有錄音,還有錄像,由紀錄片導演Monsaingeon全程拍下Gould在錄音室演奏《Goldberg Variations》的情形,今天在Youtube仍可找到此影片。
其實Glenn Gould不是彈什麼也行的。他彈古典時期作品,可以是一場災難。譬如1962年,他與著名指揮家伯恩斯坦合作,演奏布拉姆斯第一鋼琴協奏曲,伯恩斯坦便因無法苟同Gould極慢速的彈法,卻又改變不了他,於是在音樂會開場前向觀眾作了一段「免責聲明」,撇清和這場演出的關係;是為音樂史上最著名的指揮家與獨奏家不和的「醜聞」。<br />
<br />
但Glenn Gould彈巴哈,直如天賴般通透明亮。各個聲部獨立跳脫,同時交織出一個和諧整體,任何巴哈迷都會一聽傾心。美國樂評人Harold Schonberg曾如此形容:<br />
<blockquote class="tr_bq">
<i><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Gould’s Bach interpretations made the music sound different- different in tempo, in phrase, in dynamics, in conception…It was an original mind that worked on a different set of premises and principles from other pianists.</span></i></blockquote>
縱然有些音樂家(如Alfred Brendel)極度痛恨Glenn Gould的eccentric,但一般樂迷卻視他如神;過去三十多年唱片公司從沒停止推出Glenn Gould的「新唱片」,就是明證。<br />
<br />
1981年版本,並非所有人的那杯茶。有人批評此版本太刻意求工,少了一份坦率自然。但我比較1955年和1981年兩個版本,卻得出另一結論:舊不如新。我覺得舊版本有種上氣不接下氣的促逼感,新版本則成熟平衡,而且因速度慢更能品味當中細節。<br />
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若要二選一,我絕對是「1981年派」。<br />
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同一份譜,可有千萬種演繹,和千萬種你愛或恨某種演繹的理由。古典音樂就是如此奇妙。<br />
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記得第一次聽聞Glenn Gould大名,是唸大學時在國際電影節看的一齣紀錄片《顧爾德三十二面體》(Thirty two short films about Glenn Gould)。當時還不知Glenn Gould何許人,直至某次聽了他1955年的《Goldberg Variations》錄音,才知「掘到寶」了;很多年後,再聽他1981年的錄音時,則大有「天外尚有天」之嘆。<br />
<br />
巴哈是寫複調音樂的高手,《Goldberg Variations》由兩段詠嘆調和三十段變奏組成,這些變奏便包含多種複調形式,好像卡農(Canon)、小賦格(Fugette)等,演奏者須擁有處理多條並行旋律線的高超能力,才能將這些對位音樂彈得瀟灑靈動,否則便變成一堆枯燥乏味、不知所云的音符。Gould新版本跟舊版本的最大不同,是將三十二個段落連貫處理,以及大大減慢了速度。一開始的詠嘆調,Gould以極緩速度奏出,共用了2分54秒,比1分52秒便完事的1955年版長了足足一分鐘!
速度改變,令詠嘆調呈現的情感也全變了。舊版本的詠嘆調,予人溫馨甜美、輕盈灑脫之感。新版本卻透出幽幽傷感,彷彿在一個冰天雪地的純白世界裡,有一個人,踏著冷硬清脆的冰封道路,緩步而行。天地間,只剩下這個人。<br />
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但當中沒有絲毫孤單寂寞,一片純粹澄明。<br />
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兩個版本,彷彿兩個不同時間點的Glenn Gould寫照。1955年版,是一個廿三歲的意氣風發青年,有點心浮氣躁,但活力充沛,光芒萬丈。1981年版,是一個預感自己行將死去(Gould曾預言自己五十歲死)的中年藝術家,飽受生理和心理病折磨,形容枯槁,欲投身最時尚的廣播藝術,卻矛盾地渴望獨處,渴望擁有徹底封閉的自我空間。<br />
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Glenn Gould彈奏《Goldberg Variations》(1981年版本):
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<a href="https://www.blogger.com/%E2%80%9Chttps://medium.com/@anitayeung2009/%E5%86%B0%E5%B0%81%E4%B8%96%E7%95%8C%E8%A3%A1%E7%9A%84%E7%8D%A8%E8%A1%8C%E8%80%85-glenn-gould%E8%88%87-goldberg-variations-239545677698?source=friends_link&sk=b6f62b44f98ea492dc4aef76d1fec6f2">原文刊於medium
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默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-68036745395294255022019-03-18T17:33:00.002+08:002021-12-06T12:04:49.333+08:00你不一定喜歡他,卻不能無視他<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhX0SBx530yLEiFbuN8W61D7idcCOEVpG-sIq_GS4OR9DIV84WrV5zroP8YWAcgeMrlst1QLA0_6Hec7PYw6ywtp-XqgByEKnxRWiXYKWRz_gL9ylPNOKH1evLoFmuzQGWUm6AnsyYLPHWM/s1600/CD+cover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="638" data-original-width="800" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhX0SBx530yLEiFbuN8W61D7idcCOEVpG-sIq_GS4OR9DIV84WrV5zroP8YWAcgeMrlst1QLA0_6Hec7PYw6ywtp-XqgByEKnxRWiXYKWRz_gL9ylPNOKH1evLoFmuzQGWUm6AnsyYLPHWM/s400/CD+cover.jpg" width="400" /></a></div>
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一位不聽古典樂的朋友曾經問我:「同樣的音樂,重複又重複地聽,不覺得悶嗎?」說真的,有時我也會問自己這個問題,尤其當碰上演奏家以行禮如儀、公事公辦的平板沉悶方式演奏之時。
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其實古典樂聽久了,就變成「聽版本」。即是聽不同的人,如何處理同一首樂曲。表面看來是「重複」,實則是在聽各人對同一首曲的不同「想法」。優秀的音樂家,往往能把埋藏在樂譜裡面的洞天發掘出來,即使是過百年的作品也能奏出新意,絕不會悶。
來自俄羅斯音樂世家的 Daniil Trifonov,可謂新一代最炙手可熱、能夠發掘「洞天」的鋼琴家。2011年,才二十歲的他連環摘下兩大極具威望的鋼琴比賽首奬(特拉維夫的魯賓斯坦鋼琴大賽,和莫斯科的柴可夫斯基鋼琴大賽),風頭一時無兩。難得的是,七年來他仍一直保持高水準和高人氣。<br />
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Trifonov最為人津津樂道的,是他對樂曲的獨特演釋。雖然有時太indulging了(他彈的蕭邦「冬風」練習曲,慢得有點自戀),但對樂曲的處理從來是不落俗套、帶著強烈「個人簽名式」的,令人一聽難忘。<br />
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你不一定喜歡他,卻不可以無視他。這就是Trifonov。<br />
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他去年曾來港開獨奏會,一年後再訪港,與羅馬聖切契利亞管弦樂團(Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia)合作,演出拉赫曼尼諾夫第三鋼琴協奏曲。百年樂團、熱門曲目加人氣鋼琴家,門票自然火速售罄,跟十月來港的Kissin,聲勢真是伯仲之間。(事有湊巧,原來兩人孩童時,皆在專為音樂神童設立的Gnessin School of Music就讀。)<br />
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聖切契利亞樂團的兩場演出,我有幸都「撲」得門票入場。 除了Trifonov,另一隨團巡演的是趙成珍。這位奪得上一屆華沙蕭邦鋼琴大賽的韓國男孩,幾乎已是南韓「國寶級」人物,當晚音樂會,便有不少韓國僑民來捧場(可惜他們聽完上半場便離開)。趙成珍一曲既畢,全場即歡聲雷動;不過趙彈貝多芬還是有點未太到家,這第三鋼琴協奏曲只算演繹得不過不失。相比起來,22日晚Trifonov的「拉三」,要精彩得多。<br />
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Trifonov的唱片公司(DG)甚懂市場策略,在他演出當晚率先推售其最新唱片「Destination Rachmaninov. Departure」(收錄了拉赫曼尼諾夫的第二和四協奏曲),可謂廣收宣傳效果。其實音樂會真是最好的推銷CD場所,聽到精彩的現場演出,觀眾通常都很有mood買碟。
音樂會由Glinka的序曲展開。<br />
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有百年歷史的聖切契利亞樂團,確實不同凡響。指揮兼音樂總監Antonio Pappano和樂手默契十足,率先吸引我的是弦樂部甜美溫潤的音色。樂團各個聲部可謂水乳交融,渾然一體,是聽覺的大享受。歐洲樂團的精彩處往往在於此:不單個別樂手的技術好,整體的合作性和融合度也極高,音樂感又強,本地樂團根本難望項背。<br />
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序曲後,Trifonov出場。和拉赫曼尼諾夫本人演出的速度相比,首樂章彈得頗為緩慢。樂團以微弱音量,襯托著鋼琴的呢喃。Trifonov是一貫的飄逸,音色薄而脆。他的flat fingers,看在一般琴老師眼裡簡直壞透了,但對樂迷來說,不理什麼fingers,能彈出靚聲就是好fingers。美中不足是在最澎湃處鋼琴音量仍然偏細。<br />
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華彩樂段的情感豐富,但隱隱然帶著自我沉溺面貌;還是那句,喜歡的話,會喜歡到不得了,不喜歡的話,便覺得有點煩。第二樂章「諧謔曲」頗能突顯樂團木管部的水平,尤其雙簧管於開首吹奏的哀怨之音,美不勝收。至第三樂章「終曲」,這位結合纖細情感和靈巧技術的鋼琴怪傑,彈得既輝煌燦爛,又載著滿滿激情,把全場氣氛帶至高峰。安哥曲是我們人人耳熟能詳的「大包整多兩籠」(舒曼《兒時情境》第一首),輕柔之極。
下半場是由樂團演奏的柴可夫斯基第四交響曲。不算討好的作品,但弦樂部溫暖迷人的音色,足以彌補一切。在第三樂章,弦樂部以撥奏演奏,輕如鵝毛,緩緩在空氣飄盪,精彩!不過我最難忘的是第二樂章。雙簧管率先吹奏出旋律,如在訴說命運變幻,近尾段時,相同旋旋再由巴松管吹出。巴松管向來低音低調、少有機會當主角,但那樂師把音色吹奏得美絕,綿綿無盡,仿如人生長河。這真是當晚最意外的驚喜。<br />
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*原載於2018年12月22日《文匯報》副刊藝粹版,此為修訂版。默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-40633628251495500602019-02-02T18:16:00.000+08:002019-03-18T17:09:33.272+08:00權威與動容<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz7X4ASF_pKlxgXqdhyphenhyphenPhtKpiFmN0rGuqI2VAOK1UmBKnVVwANjHWnccEHYjfHXo8RDXssTY3gjNon5CmVUsceXNAHRAN5-TxNv2h0U1d6EJRQMMTzeZq-PC5BteXB6VK6xXm9yaTm-dvL/s1600/Desktop_Banner_1200x675_Matsuev.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz7X4ASF_pKlxgXqdhyphenhyphenPhtKpiFmN0rGuqI2VAOK1UmBKnVVwANjHWnccEHYjfHXo8RDXssTY3gjNon5CmVUsceXNAHRAN5-TxNv2h0U1d6EJRQMMTzeZq-PC5BteXB6VK6xXm9yaTm-dvL/s400/Desktop_Banner_1200x675_Matsuev.png" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small; text-align: start;">Denis Matsuev</span></td></tr>
</tbody></table>
今年(2018)香港藝術節其中一個重頭節目,是拉赫曼尼諾夫鋼琴協奏曲全集。擔任獨奏鋼琴家的丹尼斯.馬祖耶夫(Denis Matsuev),是1998年第十一屆柴可夫斯基鋼琴大賽冠軍,現為「拉赫曼尼諾夫基金會」藝術總監,香港藝術節的宣傳冊子上,稱譽他為「最具權威演繹拉氏作品的鋼琴家」,令人滿懷期待。<br />
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不過聽畢三場演出後,我的總體感覺是:技術高超、雄渾有力,可惜感染力不算強,抒情段落也較平板。<br />
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就拿我很喜歡的第二號鋼琴協奏曲兩個樂章為例。<br />
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首樂章近開端,弦樂部奏出光輝明亮主題後,有一非常優美婉約、近乎鋼琴獨奏的段落。拉赫曼尼諾夫本人演奏的版本,巧妙地運用彈性速度,把這約兩分鐘的段落彈得饒富韻味和情意,跟單雙簧管的對答,也渾然天成。不過馬祖耶夫沒太用心處理此段落,只彈得如流水賬,跟雙簧管亦欠情感交流。<br />
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至第二樂章,單簧管吹出嗚咽如訴的開場旋律,之後由鋼琴接力,加以延展。這曾被改編為美國流行曲《All by myself》的旋律,理應令人聽得心馳意盪,但馬祖耶夫的演繹卻平淡如水,毫無牽動聽眾情緒的意圖,無知無覺便過去了。<br />
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當然,也許是我太吹毛求疵。他第三號的第三樂章彈得真的好,恍如萬馬奔騰而毫無脫韁之虞,自有其獨到處。然而我總相信,真正的大師必然粗中有細,有着難以言詮的感染力;這方面,馬祖耶夫無疑有所欠缺。<br />
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除了馬祖耶夫,這次跟他合作的樂團俄羅斯史維特蘭諾夫國家交響樂團(State Academic Symphony Orchestra of Russia 'Evgeny Svetlanov'),也不如我最初的想像。樂團原名「蘇聯國家交響樂團」(USSR State Symphony Orchestra),歷史超過八十年,1936年在莫斯科音樂學院大廳首次登場,很快已巡迴全蘇聯及國外,是其時蘇聯對外的「文化窗口」;及至蘇聯解體,樂團更換了名字,至2005年更冠上「Evgeny Svetlanov」之名,以紀念合作了三十五個年頭的藝術總監。<br />
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在共產時代,這知名交響樂團曾為「Melodiya」(蘇聯唯一唱片品牌)錄製大量黑膠,是很多古典唱片發燒友的心頭好。幾年前,我也買過一張由Melodiya原廠母帶轉製的CD,裡面收錄了樂團跟David Oistrakh合作的柴可夫斯基小提琴協奏曲(1957年錄音)。唱片裡,樂團渾厚有力,跟Oistrakh的高度抒情性十分匹配。一甲子匆匆過,我很想聽聽樂團現今的模樣。<br />
<br />
這次率團來港的指揮,是來自愛沙尼亞的Kristjan Jarvi,其肢體動作豐富,也很懂得炒熱觀眾情緒。第二晚樂團演出的《天鵝湖》更是由他操刀編曲的版本。<br />
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不過他是一位大刀闊斧型指揮,重視抓整體。 弦樂部的音色,不是優雅的也不是溫潤的,聽不出有何特色,較令我失望。 不同樂部聽起來有時會「朦」作一團,也大大影響到層次感。<br />
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不過樂團音量的確澎湃至極,相信俘虜到不少樂迷的心。若和幾個月前的柏林愛樂相比,兩次「震耳欲聾」程度相仿,但這次明顯比較粗糙。三晚演出中,我較喜歡最後一晚:下半場的拉赫曼尼諾夫《交響舞曲》第二樂章,不同樂部輪番獨奏,反而讓耳根放鬆下來,細聽樂師們的真功夫。<br />
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<b>*原刊於2018年5月12日香港《文滙報》</b><br />
<br />默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-8922793666586410002019-01-29T11:25:00.000+08:002019-01-29T11:25:57.750+08:00期待的美好:Kissin鋼琴演奏會<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirHBvAFvHFj7QVMIjTnfOcNk4LdXMYuQ47RpWNANkIUaomMHjkyuTL689MadUcHRpBSndr3zaJ4tVOa2dfeQLKfUR2VWOQZuj-FyN7UPN7sF6MnJ9_L0s1OY_aB0AuBmfAibDXwsm8SJzX/s1600/%25E5%25A0%25B4%25E5%2588%258Akissin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="800" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirHBvAFvHFj7QVMIjTnfOcNk4LdXMYuQ47RpWNANkIUaomMHjkyuTL689MadUcHRpBSndr3zaJ4tVOa2dfeQLKfUR2VWOQZuj-FyN7UPN7sF6MnJ9_L0s1OY_aB0AuBmfAibDXwsm8SJzX/s400/%25E5%25A0%25B4%25E5%2588%258Akissin.jpg" width="400" /></a></div>
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一場音樂會是否令人「驚艷」,常常是期望與現實的落差造成,若抱著極大期望進場,通常更容易感到失望。十月尾Evgeny Kissin在香港舉行了一場萬眾期待的鋼琴演奏會,相信不少樂迷像我一樣,帶著「朝聖」的興奮心情進場,但恐怕也有人像我一樣,因事前有太多美好想像,臨場竟感得反這裡那裡都不夠好?<br />
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毫無疑問,Kissin是現今最重要的鋼琴家之一。除了因為他兼具精純技巧與高度抒情性外,多少也有點「感情」因素在內。Kissin成名於古典唱片業當旺的八十年代,由十二歲的蕭邦協奏曲現場錄音開始,一直伴著古典CD迷成長,堪稱古典樂世界的iconic figure,而中年樂迷聽他演奏,就如在追憶青春的歲月。演奏會開始前,文化中心便難得地洋溢著狂熱歡樂的氣氛,樂迷或搶購CD(之後有簽名會),或跟海報selfie,大家都沉醉在美好的期待中。<br />
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當然,我也是Kissin迷。年輕時家貧,所以沒買過他任何唱片,只曾擁有一張「老翻」的1984蕭邦協奏曲現場錄音,但僅此一張,便足以令我愛上這莫斯科出生的猶太音樂神童。他彈琴予人光潔明亮之感,技巧隱於音樂感之後,是學琴者極欲達至的「手中無劍,心中有劍」境界。Kissin的音樂生涯也很富傳奇性。他是蘇聯共黨倒台前,最後一批由國家培養的音樂家,也是世間少有、終身只隨一師的鋼琴家(其師Anna Pavlovna至今仍和Kissin一家同住)。以前他的私生活很神秘,及至2013年入籍以色列後,卻成了公開捍衛以色列利益的右翼政見者。最近,他結婚成家,並出版回憶錄《Memoirs and Reflections》,人生進入新的階段。<br />
<br />
音樂神童的事業到中年最難維持,但四十七歲的Kissin似乎沒這種困擾,今年在美加和亞洲的巡演都獲好評。至於香港這場演出,上半場看來有點不在狀態,下半場的十首拉赫曼尼諾夫前奏曲則甚具水準。<br />
<br />
其中炫技曲《G小調前奏曲》(Op.23),是他的拿手好戲,彈得駕輕就熟,爆發力雖不如年輕時的錄音,但音符粒粒分明和高度抒情這兩大迷人處仍沒有遺落。其餘各首,也能體現Kissin技術超群且富於詩意的特質。<br />
<br />
現場聽Kissin的最大發現是:他並不太在意音色雕琢,通常都是硬和脆的琴音,有時顯得粗糙,但彈拉赫曼尼諾夫的前奏曲正好「合用」。<br />
<br />
音樂會開場的兩首蕭邦夜曲(Op. 55/1及Op.62/2),是我比較失望的部分。Kissin選擇了頗為緩慢的速度,觸鍵很硬,沒能營造出溫婉的晚間氣氛,反顯得遲疑吞吐,使樂句失去前進動力。近來我甚喜歡在YouTube聽已故法國女鋼琴家Brigitte Engerer彈的蕭邦夜曲。那種瀟灑輕逸、相忘於江湖的旨趣,除了Arrau和她,我認為沒其他鋼琴家做得到。Kissin雖以蕭邦揚名,但因「珠玉在前」,便總覺得他尚未揣摩到夜曲神髓……當然這只是我的管見,同場也有朋友說喜歡Kissin的舒緩演繹。<br />
<br />
這次本來甚期待聽Kissin演奏貝多芬的「錘子奏鳴曲」(Hammerklavier, Op. 106),但節目單最後改了,由舒曼《第三鋼琴奏鳴曲》(Op.14)補上,殊為可惜。Kissin曾在回憶錄提到,他初學舒曼的鋼琴協奏曲時以為很容易,沒想到越彈越覺不易掌握。他在書中還列出了五位跟他最「接近」的作曲家——巴哈、莫札特、貝多芬、蕭邦和布拉姆斯 ——當中卻無舒曼,可以推想他和舒曼不太「投緣」。不知是否因為這樣,當晚他彈的舒曼只算中規中矩。<br />
<br />
第一樂章有好些左右手交替展示主題的段落,但左右手音量不均,導致樂句不太流暢,幸好第三、四樂章彈出水準。第三章「近似變奏曲:克拉拉.威克的小行板」的四個變奏感情內斂,哀而不傷,第四章「盡快的最急板」如風似電,急捲殘雲,把上半場很好地收結。<br />
<br />
音樂會完結時安哥了三次,包括一首Kissin自己創作的爵士風格作品。第三首是蕭邦《波蘭舞曲》(Op. 52),彈得光輝燦爛,生氣活現,把氣氛帶到高潮,不少觀眾都熱烈地給予standing ovation,Kissin則露出他的招牌羞澀笑容。<br />
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離場時一位友人卻跟我說:「演出很富娛樂性,但沒能觸動我。」其實我對這場音樂會也不算滿意。或許正如文首所言,抱著過大期望入場,總是特別容易失望?<br />
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<b>*文章原載於2018年11月24日香港《文匯報》副刊藝粹版,此為修訂版,刊於<a href="https://medium.com/@anitayeung2009/%E6%9C%9F%E5%BE%85%E7%9A%84%E7%BE%8E%E5%A5%BD-kissin%E9%8B%BC%E7%90%B4%E6%BC%94%E5%A5%8F%E6%9C%83-ee2e3d15df1b">Medium</a>。</b>默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-3549074543740974602019-01-22T18:40:00.000+08:002019-08-01T14:50:05.950+08:00Kissin為何給Horowitz負評?1.<br />
<div>
<br /></div>
超強颱風「山竹」襲港的周末,窩在家中讀鋼琴家Evgeny Kissin的回憶錄《Memoirs and Reflections》。書雖不是由Kissin親筆撰寫(由Marina Arshinova輯錄、Arnold McMillin翻譯),但他有參與文稿最後修訂。這並非一本傳統路數的音樂家回憶錄(談歷史和猶太文化的內容不少),讀來頗有驚喜,而Kissin對某些前輩毫無保留的「負評」,亦引發我去想「品味是什麼?」這個問題。
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<br />
1971年生於蘇聯的Kissin,是不折不扣的猶太音樂天才。六歲前尚未懂得音符與五線譜為何物的他,已能將聽來的曲調用鋼琴彈出。十二歲時(1984)他一臉稚氣地與Moscow Philharmonic Orchestra演奏蕭邦第一及第二鋼琴協奏曲的現場錄音,技巧圓熟,情感坦率,至今仍是不少樂迷心中的經典。<br />
<br />
Kissin彈琴時予人光潔明亮之感。技巧精純而不浮誇,風格直率卻有著驚人爆炸力與抒情性。沒想到,其人也是直率敢言的。書中有不少篇幅談及其猶太背景。成長於鐵幕蘇聯、幼時曾被反猶鄰居欺負的Kissin,說他一直珍視猶太人的身份。除了曾自學意第緒語(Yiddish)和寫意第緒詩歌(並出版朗誦CD),2013年更主動申請以色列護照,成為極少有的兼具俄、英、以三重國籍的「國際」音樂家。
<br />
<br />
2009年前Kissin從沒公開提及自己是猶太人,現在卻成了「國際前線上的以色列戰士」(他自己的形容),時常發表支持以色列的言論。如此轉變,或可視為Kissin拋開心結,以真實示人。「偏右」從來不討好,我雖是Kissin口中的「微左」(較支持巴勒斯坦),卻欣賞他敢於表明政治立場。<br />
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<div style="text-align: left;">
<span style="text-align: center;"><i>蕭邦《C小調練習曲》(Op. 10, № 12),我會形容是優雅地張狂:</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<div style="text-align: left;">
<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/c2i_QmgAJn0" width="560"></iframe>
</div>
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人們常認為,音樂家是超越俗世事務的事業,不應花時間想政治這些麻煩東西。但我卻相信一句老話:<b>「先是一個人,然後才是一個藝術家。」</b>人若對政治不懂不顧不在乎,就是不合格的公民,這政治無知或冷感未必有損其藝術能力(譬如不談政治的張學友唱歌仍好聽),但我更欣賞有具體個性、對世界有所關懷的藝術家(譬如我會記得梅艷芳支援過黃雀行動)。<br />
<br />
柏林圍牆倒下時跑到斷牆下拉大提琴的Rostropovich、成立West-Eastern Divan Orchestra促進以巴民眾交流的Barenboim、拒絕為認同「佛朗哥政權」的國家演出的Pablo Casals,他們這些舉動都令人動容,但Kissin那非「大愛包容」的立場,我也敬重。<br />
<br />
2.<br />
<br />
Kissin談政治時立場分明,論起音樂家時也絕不掩飾好惡。當他提及已故鋼琴家荷洛維兹(Vladimir Horowitz,1903–1989)時,更毫不含糊地給予「負評」。他且以「褻瀆神靈」(blasphemy)來形容荷洛維茲彈的蕭邦《Mazurka in B flat minor》,著實嚇我一跳。<br />
<br />
雖然荷洛維兹的評價向來兩極化,但這詞也未免太強烈了。之後他又用了「bad taste」一詞:<br />
<blockquote class="tr_bq">
<b>1986年4月荷洛維茲在莫斯科的公開綵排(實質上就是首場音樂會),我認為……是徒有驚世琴技卻品味差劣(that for all his stunning pianistic virtuosity he had bad taste),尤其是莫札特《C大調奏鳴曲》。我記得(有人說):『他彈得像個有天份的 ballroom pianist。』</b></blockquote>
「品味」這東西真奇妙。所謂「咸魚青菜,各有所愛」,每個人的耳朵都是一個洞天,那怕是同一演奏家的同一錄音,各人評價也可以判若雲泥。但到底何謂好「品味」?<br />
<br />
必得承認,我屬於「無法喜歡」中晚期荷洛維茲的古典樂迷。在那張「Horowitz in Moscow 」現場錄音唱片裡,Scarlatti彈得妙趣橫生,Scriabin也教人低迴,但其他曲子就是「水過鴨背」,留不下深刻印象。<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2AVcURl29H89bCug1DA-nm1pm7WtsqRSij_19k5rMB1FQAgPvJpBGbywbEetYcCeFSpKqDLXTwGmHRXnHui2Ow281HMrY9IlsucioPN1ovFo7YvSGkJjRvDSOlT98FDGqT_6WJYmPueMD/s1600/horowitz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="794" data-original-width="800" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2AVcURl29H89bCug1DA-nm1pm7WtsqRSij_19k5rMB1FQAgPvJpBGbywbEetYcCeFSpKqDLXTwGmHRXnHui2Ow281HMrY9IlsucioPN1ovFo7YvSGkJjRvDSOlT98FDGqT_6WJYmPueMD/s400/horowitz.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<br />
荷洛維茲這場離鄉六十一載的「遊子回家」音樂會,是當年的盛事,據人們事後記憶,現場觀眾不少都聽得掉淚,被荷洛維茲如若「懸浮於半空的琴音」深深懾服( “this magical touch where the sound is floating” ,是CD小冊子裡引述鋼琴家Vladimir Feltsman的話)。<br />
<br />
看來人人都喜歡這演出。以前我曾懷疑是自己的鑑賞力不足(以及錄音與現場有別),所以對這位炫技大師無感。直至看了Kissin的「負評」,我忽然有所覺悟:或許我無法喜歡荷洛維茲,並不是鑑賞力不足的問題,只是和他人的品味取向有別而已。
<br />
<br />
每個人對何謂「有品味」都有不同理解。Kissin說,他不是因為速度太自由而批評說荷洛維茲品味差。那是因為什麼呢?<br />
<br />
Kissin屬抒情型演奏家,著重情感的傳遞。我猜當他說「bad taste」時,除了指對方太著力追求繽紛聲效,變得庸俗之外,其實是想點出「感染力」的問題。有品味的演奏,是能夠令人產生情感昇華或美學感應的。但荷洛維茲通常沒這種美學的「感染力」。<br />
<br />
巴勒斯坦裔學者Edward Said曾這樣評評荷洛維茲:<br />
<blockquote class="tr_bq">
<b>他很少於音樂上引起人們興趣,引人注目的反而是漸強(crescendi)、鋼鐵般的巨大音量,或彈奏八度、三度與音階的極速與精準……相比起來,其他二戰前臻至成熟的炫技大師如歷赫特(Richter)、魯賓斯坦(Rubinstein)和米開蘭傑尼(Michelangeli),都是遠比荷洛維茲更令人滿意的藝術家。</b>(《Music at the Limits》)</blockquote>
評語雖不留情面,但正中我這類樂迷的心思。<br />
<br />
所謂「聽音樂」是聽什麼?是「聽」音樂家藉著琴技表達的內涵與情感,而非「聽」琴技本身。我是這樣認為的:有品味的演繹,「技」這元素只是必要而非充份條件。就如鋼琴家Leon Fleisher所講:「技」是「the ability to produce what you want」,但前提是「you want something」。否則便容易流於膚淺的「技」的show off。<br />
<br />
3.<br />
<br />
《Memoirs and Reflections》另一段評語也很耐人尋味,抄錄如下:<br />
<br />
「荷洛維茲的演出有某種東西,令我產生巨大仰慕感,同時又有某種東西令我感到怪異陌生(something truly alien)。」<br />
<br />
這怪異感源自什麼,他沒言明,只斬釘截鐵表示:<b>荷洛維茲永遠只是「大寫」的炫技大師(Virtuoso with a capital V)。</b>我猜Kissin想說的是:荷洛維茲的琴技,沒能引起聽者內心感應,所以只能停留於Virtuoso層次。<br />
<br />
Kissin未必聽過荷洛維茲所有錄音,他的決絕評語或有以偏概全之弊,但我能同情地理解他。<br />
<br />
事實上,世上確存在一種樂迷,他們聽音樂時很「理性」,對「情感昇華」或「感應」什麼的皆無法理解。他們聽音樂,就是聽超卓琴技、千變萬化的音色、飛快的音階……即技術上的璀𤌴刺激。若他們說某場演奏「有品味」,不過是指技術出神入化,非關什麼感應的事。(而荷洛維茲恐怕就是如此「聽」音樂的?)至於我,則傾向「感性」地聽音樂,即著重有所感應,有所昇華。<br />
<br />
當然,我沒權批評這類「理性」樂迷,而且兩種「聽」法亦各有優劣。譬如1988年,卡拉掦指揮柏林愛樂,與Kissin合作演出柴可夫斯基第一鋼琴協奏曲,速度慢如蝸牛上樹,裝模作樣極了,但Kissin在書中說:「其他人用這慢速指揮會變成嘲弄,但卡拉揚用他天才的能量把這速度填滿。」若只談「感應」,我沒法說服Kissin,因為大家的「感應」不同。<br />
<br />
但我偏執地相信,重視「感應」才是最高明的「聽」法。畢竟,聽音樂是極度「私密」的活動,我若覺得不好聽,別人說得天花亂墜也不能改我心意。不過當明白了世上有「兩類樂迷」,將來跟別人爭拗起「品味」問題,就能及早發現有沒有「搭錯線」。這也未嘗不好。<br />
<br />
<i>Kissin於12和40歲演奏同一首樂曲(蕭邦的鋼琴協奏曲)。</i><i>40歲版本速度較慢也較富詩意:</i><br />
<i><br /></i>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/7Zx0RrN9Xm8" width="560"></iframe><br />
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<a href="https://medium.com/@anitayeung2009/kissin%E7%82%BA%E4%BD%95%E7%B5%A6horowitz%E8%B2%A0%E8%A9%95-ca5ebd4c42f8?source=friends_link&sk=207be22373b9a2c03905aa5256fe2ede">
原文刊於medium
</a></b></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgoN2_0YiQgHkH-zS-EfNDTh92BKgUqfbSanTEa7UQt4cFGdUWRub-WYqS1lHyEzWz4RfaqvqoB8fHgtQcYziKbEKw6UsvPDNQfDvCv0kWSO8EughPj83z5WI9pMNNZwUEA_ctHYLInJwv/s1600/Denk.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="470" data-original-width="800" height="235" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgoN2_0YiQgHkH-zS-EfNDTh92BKgUqfbSanTEa7UQt4cFGdUWRub-WYqS1lHyEzWz4RfaqvqoB8fHgtQcYziKbEKw6UsvPDNQfDvCv0kWSO8EughPj83z5WI9pMNNZwUEA_ctHYLInJwv/s400/Denk.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
舒伯特於人生即將走到尾聲時,創作了第二十一號鋼琴奏鳴曲(D.960)。這也是其眾多鋼琴作品中,情感最複雜的一首。驟耳聽來,它重重複複,如老人呢喃般煩氣(所以19世紀時沒人理會此曲),但仔細咀嚼,卻會被它猶如「幽幽在回顧人生的美好與哀愁」的特殊情味所吸引。<br />
<br />
在不少鋼琴家眼中,D.960是極難駕馭的,各人演繹的方式亦千差萬別。以首樂章為例,最極端的兩種演繹,是Richter的「緩慢得要令你窒息」版本,和Horowitz的「急急如律令」版本(而譜上標示的是「Molto moderato(極適中)」)。
兩個極端我都吃不消。<br />
<br />
以前我喜歡聽Maria Joao Pires的版本,速度中間偏快,但充滿生之激情。六月初鋼琴家Jeremy Denk首度來港,因臨時改換曲目,我得以一聽這當紅鋼琴家別具一格的D.960。(取消的曲目是貝多芬《An die ferne Geliebte》和舒曼《幻想曲》。)<br />
<br />
D.960排在下半場。上半場的莫札特和貝多芬,都令人印象深刻,尤其開場的莫札特《A小調迴旋曲》(K.511),清新、明亮且淡雅,沒有一點累贅,可謂恰當的頭盤。
Denk彈琴時不太看鍵,有時帶著微笑望向遠方,有時閉目仰首,忘情任指尖飛舞;其音色也如其台風,清朗不拈滯,音量變化廣。<br />
<br />
來到D.960。第一樂章他選了較一般為慢的速度,但並非凝重僵固的Richter風格。
D.960的開端是奇特的:旋律平淡得很,但和弦的處理令它聽來不太像「開端」,反而像一張播到中途的唱片。以前聽過的版本都不太在意這開端,但聽得出Denk很用心處理它。<br />
<br />
音符淡淡響起,如在自言自語,不在乎別人有否在聽。就像帶點失神的回憶狀態。緊接著,隆隆的降G重低音顫音(G flat trill)響起,跟原來的調(降B大調)交鋒。Denk拿捏得極好,咆吼低音如積鬱滿腔,音質卻歷歷分明。<br />
<br />
Denk的聲部清晰分明,重視樂句線條營造。他的技術好,觸鍵乾淨俐落,有種輕盈感,跟去年在同一場地(港大李兆基會議中心)演出貝多芬奏鳴曲全集的Lifschitz,真是大異其趣。
第一樂章的主題以轉調和變型方式不斷復現,一不小心,容易彈成一匹枯燥冗長的流水帳。但Denk處理得極好,不覺單調,由頭至尾充滿張力。<br />
<br />
聽著主題恣意遊走,就像跟鋼琴家一起經歷了一遍人生的高低起跌;而當十多分鐘後,一切回歸初始模樣時,我仿佛聽到舒伯特在說:「見山還是山,見水還是水。」
一切生命的煩憂都拋去,世界仍像開初般朗然輕快。不知舒伯特創作時是否這樣想?但Denk的演出給人這種聯想。<br />
<br />
之後的第二樂章是一悲哀小曲,前半首的每個小節,左手都會跨越右手點出一個高音鍵。他彈得不算通透玲瓏,但勝在清新雋永。還是尾樂章那種疾走狂歌的風格,更適合他吧。<br />
<br />
<span class="markup--strong markup--p-strong" style="color: rgba(0 , 0 , 0 , 0.843137); font-family: , "georgia" , "cambria" , "times new roman" , "times" , serif; font-weight: 700; letter-spacing: -0.06300000101327896px;">*文章原刊於2018年7月7日香港《文匯報》副刊藝粹版,此為修訂版。</span><br />
<span class="markup--strong markup--p-strong" style="color: rgba(0 , 0 , 0 , 0.843137); font-family: , "georgia" , "cambria" , "times new roman" , "times" , serif; font-weight: 700; letter-spacing: -0.06300000101327896px;">*文章同時刊於<a href="https://medium.com/%40anitayeung2009/%E5%9B%9E%E9%A1%A7%E7%94%9F%E5%91%BD%E7%9A%84%E7%BE%8E%E8%88%87%E5%93%80-jeremy-denk%E7%9A%84%E8%88%92%E4%BC%AF%E7%89%B9-d-960-2759b7d09209">Medium</a></span>默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-83889604877794899532018-03-20T19:12:00.005+08:002018-03-20T19:12:53.570+08:00一期一會 柏林愛樂<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7h4Q_aseCaYU5Ays-V3UCQtRhlT9r3lr7F71x8kiaxBeyIZVFPrL1_zdNq5OcPm3H6ll4M5kNWbJRXeTPougtq5pczqk4lk2KEoPOnxH1Dz5W6Oxfa_Oil-Lp9go8Cmm6ESLNal8QcNyp/s1600/IMG_20180320_185117.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1046" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7h4Q_aseCaYU5Ays-V3UCQtRhlT9r3lr7F71x8kiaxBeyIZVFPrL1_zdNq5OcPm3H6ll4M5kNWbJRXeTPougtq5pczqk4lk2KEoPOnxH1Dz5W6Oxfa_Oil-Lp9go8Cmm6ESLNal8QcNyp/s400/IMG_20180320_185117.jpg" width="261" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">柏林愛樂。翻拍自場刊。</td></tr>
</tbody></table>
睽違十二年,柏林愛樂樂團(Berliner Philharmoniker)於十一月再度訪港,樂迷皆引頸以待這一期一會的音樂盛事。<br />
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不過今年(2017)音樂會的變卦甚多。(最可惜的一宗,是原訂11月訪港的杜達美和西蒙玻利瓦爾交響樂團,因指揮批評委內瑞拉總統而「被取消」巡演)柏林愛樂的首場演出原由郎朗任獨奏,但因鋼琴家手傷未癒,最終由韓國新貴趙成珍頂替(中國和日本場次,則由王羽佳頂替),樂曲由巴托改為拉威爾的鋼琴協奏曲。不過正因有樂迷退票,才造就我得以在十月底補購門票,親身觀賞兩場在香港的演出。
<br />
<br />
記得樂團上次訪港時,我因未能負擔昂貴門票,只能望團興嘆,今回總算沒和歷圖爵士(Sir Simon Rattle)失諸交臂。事實上,這次亞洲巡演是歷圖卸任總指揮前最後一次訪亞,之後便會回歸故里,出任倫敦交響樂團(LSO)音樂總監;所以這次若錯失了,恐怕此生也沒有機會再現場觀賞「Rattle和Berlin Phil」這個組合了。
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<br />
柏林愛樂建團超過百年,但與她關係密切的指揮只有數位。眾所周知,令她揚名四海的是卡拉揚:自1955年出任樂團總監三十多年,一手建立起樂團華麗的音色,並灌錄了大量唱片。而歷圖的厲害之處,正是能夠擺脫卡拉揚(及其後的Abbado)的「影子」;開拓大量現代曲目、推出自家品牌錄音、2009年創立「Digital Concert Hall」讓全球樂迷網上同步欣賞直播.....這些推陳出新的做法,令柏林愛樂名氣更勝從前。不過說到底,我最關心還是在歷圖棒下,樂團的風格是怎樣的呢?
<br />
<br />
綜合兩場演出,我想「精準優雅、氣勢磅礡」應是最恰當的形容。<br />
<br />
歷圖一頭標誌性的曲髮好像開始稀疏了,但肢體動作仍充滿活力,一些強音量樂段,樂團簡直「震耳欲聾」,觀眾有如被濃密的音牆緊緊包圍,這是聽本地樂團從未有過的刺激體驗。有座位較前的朋友打趣說,幸好不是奏馬勒,否則耳膜已穿洞!當然大音量不代表好,還必須有細致迷人的對比,才足堪擔起「頂尖」之名。<br />
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我亦甚喜歡樂團的弦樂部布局:第一和第二小提琴,分別處於弦樂部左右側(早前在澳門聽布萊梅德意志室樂團也見同樣布局),而非合在一起。這安排令兩個聲部皆清晰可聞,音效更立體(但前提是你要坐在舞台正面和較前位置),不知港樂未來會否仿傚?
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是次巡演曲目,雖沒有我最期待的馬勒,但無論布拉姆斯和拉赫曼尼諾夫都能凸顯樂團的爆炸力。令人失望的反而是樂師的安排。不知何解,幾位被視為「靈魂人物」的樂師,如長笛首席Emmanuel Pahud和雙簧管首席Albrecht Mayer皆缺席首場演出,兩晚的concertmaster也不相同。(據場刊資料,樂團共有三位concertmaster,部分管樂也有兩位首席)。因技巧較高的樂師只參與第二場演出,導致兩晚音樂會水準有明顯落差,殊為可惜。
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長笛情況特别明顯。首晚的拉威爾《G大調鋼琴協奏曲》,第二樂章由綿長的鋼琴獨奏展開,趙成珍彈得略為拘謹,但不失印象派的飄逸迷離感,可惜緊接其後吹奏旋律的長笛先生,卻無法維持同樣意境,白白浪費了輕淡低迴的鋼琴襯托。而第二晚,因有Pahud壓場,情況即時逆轉,不少由長笛獨當一面的樂段,皆令觀眾十分陶醉。
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當然,只看第二場的觀眾是會非常滿足的。上半場的《Petrushka》,管樂發揮超凡,怪異氣氛表露無遺。下半場,是歷圖首次指揮柏林愛樂演奏拉赫曼尼諾夫的《第三交響曲》。比起「第二」,「第三」向來是不受注目的黑馬,沒想到令人一聽難忘。長笛、雙簧管、小號和弦樂部皆出色,日裔樂團首席Daishin Kashimoto的獨奏樂段,可謂絲絲入扣。而第二樂章由獨奏圓號與豎琴伴奏展開,中間夾著激昂的諧謔曲,尤能突顯樂團強烈的對比和爆發力。第二晚可說是在全沒預想之下,經歷了一場激烈的音樂盛宴,相信這印象會一直留在腦海裡,直至或許十年後再跟柏林愛樂相遇。
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原刊於2018年1月27日《文滙報》
默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-41595481294735983352017-10-28T20:51:00.000+08:002019-01-22T14:12:33.491+08:00閉上眼找真的賴杜洛域奇<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUAMgO5tVgMSU3tWdX80ai_PjEK7zOa2Ax3AdAsmuZt-ZZCHHU2ve13wmZ5OVJktx3EXfd2ZutegRX9LejBQjWN-oaOAkX97p8qG685mgPghjQrY-4zLc-QZSjP5EXawdHj_ix04LyZlLr/s1600/Nemanja_Radulovic-1.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1065" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUAMgO5tVgMSU3tWdX80ai_PjEK7zOa2Ax3AdAsmuZt-ZZCHHU2ve13wmZ5OVJktx3EXfd2ZutegRX9LejBQjWN-oaOAkX97p8qG685mgPghjQrY-4zLc-QZSjP5EXawdHj_ix04LyZlLr/s400/Nemanja_Radulovic-1.png" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Nemanja Radulović(圖片來源:飛躍演奏香港)</td></tr>
</tbody></table>
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台灣作家呂正惠在《CD流浪記》裡曾經真誠表白:有些CD買回家,純粹只為欣賞封套上的美麗臉龐。這是令人忍俊不禁又十分感慨的「懺悔」。該書出版於九十年代,令作者著迷的臉是Mullova和Mutter;二十年過去了,Mullova和Mutter臉上添了皺紋,反倒令樂迷更專注於她們的技藝,但古典音樂講究「包裝」的風氣,卻只有增沒減。甚至乎,先以標奇立異外表吸引觀眾,再慢慢展示一身「好武功」,已不是什麼見不得人的tactic。最近來港的小提琴家賴杜洛域奇(Nemanja Radulović),應該也可歸入這類。<br />
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三十出頭的賴杜洛域奇生於塞爾維亞,曾於貝爾格萊德和巴黎學習音樂,2006年因替Maxim Vengerov場而揚名(演奏貝多芬小提琴協奏曲)。一頭蓬鬆卷曲長髮和歌德式衣著(黑皮褲配黑長筒皮靴)是其標記,這次香港的獨奏debut,主辦方亦直接了當以「rockstar violinist」之名作招徠。但這位外型前衛的小提琴家,其實並非故弄玄虛、沒有內涵之輩。其音色醇厚,音量起伏大,而且情感豐富,不像某些偏好炫技的小提琴家,非常乾淨卻欠音樂感。<br />
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上半場第一首是巴赫的《Chaconne》,也是全晚我最期待的演出。來源自《第二號無伴奏小提琴組曲》(Violin Partita No. 2 in D minor)尾樂章的《Chaconne》由四小節主題句和三十個變奏組成,情感蒼涼,韻味悠長,好像把整個世界的愁緒都囊括進去了(據說巴赫是在首任妻子Maria Barbara過身後創作此曲,其愁有因)。去年,<a href="https://on-classical.blogspot.com/2016/11/blog-post.html">在澳門聽過陳銳拉奏此曲</a>,可惜樂句頗為斷裂,因而頗想一聽來自南歐的賴杜洛域奇如何演繹巴赫的愁。<br />
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所有技術性挑戰都難不到他,「double stops」及用快速琶音拉奏的「multiple stops」順滑流暢。雖然選取了較一般為快的速度,頭幾段變奏的標誌性三十二分音符亦拉得有點促,但憂傷感掌握得很好。賴杜洛域奇處理多重聲部的能力尤佳,橫向(多條旋律線)與縱向(和弦的推進)皆能兼顧,一氣呵成。<br />
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我閉目傾聽,只見皮褲皮靴與飄飄長髮通通消失,眼前是一個飽經風霜、內斂情深的中年人。或許這才是真正的賴杜洛域奇?忽然記起他的個人網站有這句話:「Over the last few years I have lost nine very close people, including my mother and my sister in one year. That gives you emotions that you can express with the instruments and the music.」<br />
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其實賴杜洛域奇去年的專輯「BACH」也收錄了此曲,但並非獨奏,而是改編給小提琴與室樂團的版本,聽起來反而失去「一支提琴,呼風喚雨」的爆炸力。<br />
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巴赫之後,是葛利格、浦羅哥菲夫和維尼奧夫斯基(Wieniawski)的作品,由法國女鋼琴家Laure Favre-Kahn伴奏,兩人默契甚佳。維尼奧夫斯基的《Variations on an Original Theme, Op. 15》尤其動聽。樂曲甫開始的兩組double stops,借用了巴赫《Chaconne》開端,向他致敬。作品充份運用小提琴變化多端的音色,四段變奏挑戰四種不同技巧。<br />
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完場後的第一首安歌曲(Monti的《Csárdás》),賴杜洛域奇拉得速度飛快,如狂風吹飛絮,觀眾皆情緒高漲。當晚唯一疙瘩,反而是「回輸聲」。演奏《Chaconne》時至少聽到兩次像高音回輸聲(feedback) 的雜音,不禁懷疑:是否用了擴音器?但無論如何,好就是好,倒和擴音無關。<br />
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一頭蓬鬆卷曲長髮和歌德式衣著是賴杜洛域奇的標記。(原刊於2017年6月22日《信報》)默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-19654517628114322092017-06-23T11:29:00.001+08:002017-10-28T20:25:22.697+08:00陳以琳的高能量演出<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmAljJJlU4DLu_UfpTtK_Qt0vjfNGOjSqbjPcAjA78AYuk3RCyki93OTiU09JAs8eJ5IEuMqQwF-KUXxaz9_rAxD8fyKEEtIGXQ_6rW1c1hwA42dFmOE-h2hhXfG2xmnGpBQThFXdVBbSD/s1600/20170331_HK+Phil+Beethoven+Emperor_7_%2528c%2529+Cheung+Wai+Lok+HK+Phil.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1068" data-original-width="1600" height="267" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmAljJJlU4DLu_UfpTtK_Qt0vjfNGOjSqbjPcAjA78AYuk3RCyki93OTiU09JAs8eJ5IEuMqQwF-KUXxaz9_rAxD8fyKEEtIGXQ_6rW1c1hwA42dFmOE-h2hhXfG2xmnGpBQThFXdVBbSD/s400/20170331_HK+Phil+Beethoven+Emperor_7_%2528c%2529+Cheung+Wai+Lok+HK+Phil.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">陳以琳(右)指揮「港樂」音樂會。(圖片來源:香港管弦樂團)</td></tr>
</tbody></table>
近年陸續有香港年輕音樂人在國際指揮賽取得佳績:2014年,陳以琳(Elim Chan)勇奪倫敦交響樂團主辦的唐娜泰拉.弗里克指揮大賽(Donatella Flick LSO Conducting Competition)冠軍;2016年,薛毅章摘下德國奥格斯堡指揮大賽冠軍;同年,吳懷世贏得美國阿斯本音樂節指揮大獎,翌年再下一城,獲德國蘇提指揮大賽亞軍。<br />
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香港人不講「香港之光」這類自吹自擂說話,但看見年輕港人在國際指揮舞台逐露頭角,古典迷如我確甚有期盼:或許有一天,我們可經常聽到來自香港的指揮家,與世界各地著名樂團或演奏家同台演出?這一天會否出現,暫時還未可知,但剛過去的港樂音樂會(4月1日),不少觀眾因陳以琳站在指揮台而感到格外「同聲同氣」,卻是實情。
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生於香港、於美國史密夫和密芝根大學接受音樂訓練的陳以琳,是首位贏得唐娜泰拉.弗里克指揮大賽的女性(該比賽只限35歲以下「歐盟成員國公民」參加,陳的亞裔身份相信也很觸目)。比賽的「獎品」,包括一份「LSO助理指揮」的一年合約,Elim因而得以親炙大師如Valery Gergiev、André Previn、Haitink、Marin Alsop等。短短兩年,她已指揮過馬林斯基樂團(獲樂團總監Gergiev私人邀請)和琉森音樂節學院樂團,今年秋天,更會擔任瑞典諾爾蘭歌劇院(NorrlandsOperan)總指揮,為期三年。一長串精彩的指揮履歷,令人十分期待她這趟回歸香港的演出。
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其實早於2015年陳以琳已指揮過「港樂」,不過當時指的是「Harry哥哥的快樂聖誕」,頗有點「大才小用」,相信也沒有太多人留意到。這次「港樂」管理層總算對「不重視香港音樂人」的批評從善如流,邀請她指揮「經典系列」,而獨奏家更是鼎鼎大名的<a href="http://on-classical.blogspot.hk/2016/05/renaissance-manstephen-hough.html">Stephen Hough</a>。<br />
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音樂會由史密塔納《我的祖國》(Má vlast)最動人的樂章「莫爾道河」(Vltava / The Moldau)展開。陳以琳雖然身型嬌小,但肢體動作剛猛有力,自有一種懾人氣勢。起初,她和樂團未太進入狀態,弦樂部奏起河流主題時音色有些粗糙,不如期待的細膩綿密。但樂團整體甚具活力,節奏感強,弦樂部音色尤其和暖明亮。<br />
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之後的貝多芬「帝皇」協奏曲,指揮與樂團的默契明顯增強。一開始,全體奏出光輝燦爛的主和弦、下屬和弦及屬和弦,鋼琴漫妙流麗的琶音穿插於三個和弦之間,拱照著隨後出場的輕快迷人主題。在陳以琳棒下,樂團勁度十足,音色壯麗雄渾,初段的降E大調旋律(向來跟「英雄」或「王者」掛勾的調性),充滿澎湃能量。
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深得英國樂迷愛戴的Stephen Hough是一位藝術多面手,除鋼琴外,他還擅長作曲、繪畫、寫作等,曾被《經濟學人》選為「當今二十大博學者」。當晚他背譜演出,技術爐火純青,彈奏快速半度音階或和弦琵音,就像吃件蛋糕般輕鬆。坐在觀眾席,看著他的手指靈活飛舞,真是心曠神宜的美事。雖然有些人或嫌他的演繹「粗線條」,欠缺細節變化,不過我卻頗喜歡他爽快直率的「帝皇」,大量裝飾音也彈得平均自然。<br />
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素來認為,「港樂」的木管部是這樂團最富音樂感的部分。史德琳的長笛固然眾口交譽,雙簧管和單簧管首席既抒情又嘹亮的音色,也常令我驚喜連連。「帝皇」有好些木管與鋼琴呼應的部分,譬如首樂章發展部有一段,是由木管樂器輪流吹奏跟主題相仿節奏,鋼琴以十六分音符低吟伴隨,甚為動聽。另有一處,鋼琴伴著圓號的恬靜段落,氣氛亦佳。樂章近結尾處,鋼琴右手維持原主題節奏,左手以三連音奏出輕巧下降音階,侯夫彈得清脆玲瓏,聽來甚是快意。首樂章很精彩,完結時觀眾竟忘情地鼓起掌來,侯夫微笑點頭。
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陳以琳上半場表現穩定,至下半場的拉赫曼尼諾夫《交響舞曲》,則令人有眼前一亮之感。尤其最後一個樂章「甚緩板-活潑的快板」:樂團由陰沉緊湊的氣氛開始,進展至最後華麗的爆發,銅管與敲擊部如金戈鐵馬,氣勢迫人,把音樂會氣氛推至高潮。總的來說,陳以琳甚有大將之風,特別擅於處理慷慨激昂的樂段,慢樂章雖未夠圓融,假以時日,不難成為爆炸力及細膩情感兼備的新一代指揮。(原刊2017年4月29日《文滙報》)
默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-44173424253211995472017-05-16T11:23:00.000+08:002019-01-31T19:18:29.033+08:00楊納傑克之夜<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKEC8ooBFm1e5zR0lVfb1x7KXNeFtXQSdMdC714WJij3FcophB_3cejcndWOcLwYW5SqWggR2JwsiyZG1VxDyjvknjdcUyMvhSfLpE4HcqOEMbE1nIne_LD4HpHrKPpt2w5Ekv4mjvlVFG/s1600/Leo%25C5%25A1+Jan%25C3%25A1%25C4%258Dek.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKEC8ooBFm1e5zR0lVfb1x7KXNeFtXQSdMdC714WJij3FcophB_3cejcndWOcLwYW5SqWggR2JwsiyZG1VxDyjvknjdcUyMvhSfLpE4HcqOEMbE1nIne_LD4HpHrKPpt2w5Ekv4mjvlVFG/s400/Leo%25C5%25A1+Jan%25C3%25A1%25C4%258Dek.jpg" width="295" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Leoš Janáček</td></tr>
</tbody></table>
楊納傑克(Leoš Janáček)是位大器晚成的作曲家。年輕時,他在捷克第二大城市布爾諾(Brno)創立管風琴學校,至四十多歲寫出大受歡迎的歌劇《Jenůfa》,才決心走上作曲家之路。他最著名的管弦樂作品《小交響曲》,於七十二歲高齡才寫成。
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今年(2017)香港藝術節邀得捷克布爾諾國家歌劇院(National Theatre Brno)的楊納傑克歌劇樂團訪港。此樂團可謂楊納傑克在生時的「發表舞台」,因其絕大部分歌劇作品皆在布爾諾國家歌劇院內的Mahen Theatre首演。<br />
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樂團演出三套節目,我選了「楊納傑克精選作品」那場,無他,因為極想一聽跟作曲家淵源甚深的樂團是如何演繹《小交響曲》(Sinfonietta)。<br />
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自從村上春樹把《小交響曲》寫進其長篇小說《1Q84》(小說甫開場,女主角青豆坐在計程車裡,高速公路上是長長的車龍,收音機正播放著《小交響曲》。青豆一聽便認出此曲,思潮隨之起伏),全球即掀起一陣「楊納傑克熱」。<br />
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其實楊納傑克素來都喜歡從文學作品取材,譬如《Taras Bulba》是來自果戈里的故事,而遺作《From the House of the Dead》則改編自杜斯妥也夫斯基的自傳體小說《死屋手記》。但作曲家應該不會料想到,其音樂作品竟反過來成為小說情節,且成為他本人作品「復興」的契機?<br />
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音樂會由《小交響曲》拉開序幕。一開場,九位小號手和兩位上低音大號(euphonium)樂手在背台的觀眾席上一字排開,陣勢令人期待。楊納傑克雖生於十九世紀中業(1854年出生),比德伏扎克只年輕十三歲而已,但作品並沒沾上任何晚期浪漫主義的氣息,其旋律與和聲,於今天聽來仍覺新鮮前衛好玩。<br />
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銅管在其作品常佔顯要角色,譬如《小》的首樂章〈號曲〉便是寫給銅管和定音鼓的精品。奇巧的樂曲結構,聽來層次豐厚,而且充滿魔幻感。<br />
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兩支上低音大號最先開腔,吹出空洞的平行五度音程,低音小號和定音鼓於近句尾加入,奏出兩小節極簡約節奏;這帶點迷離的樂句就是全曲賴以變化的種子。<br />
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其後的降G大調小號旋律,是由五聲音階組成(mi sol mi — / re la, do — / la, — do la,),不過跟同樣也是使用五聲音階的纖細中國民謠,卻是大異其趣。
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旋律不斷轉調,九支小號齊鳴的錚錚金屬聲,既有軍隊的架勢,同時又充滿滑稽荒誕感──也許村上春樹就是看中這種滑稽味,而將《小交響曲》寫進小說裡?
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可惜小號手的爆發力未如理想,音量偏小,沒能彰顯此感覺。尤其失望的是中後段某些本該凸顯的小號旋律線,被過份大聲的定音鼓和低音小號淹沒了,結構變得凌亂。細看場刊,十一名額外銅管手皆來自香港管弦樂團和香港演藝學院。臨時加的樂手,無論音色、音量和默契始終遜一籌,只能說,要在香港一次過找到大量銅器好手真不容易。
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個人認為,聽〈號曲〉最過癮處,是各聲部極度喧囂卻絕不討厭,不斷重複的低音節奏,豐富了音樂肌理,又不至喧賓奪主。可惜指揮基茲林克(Jaroslav Kyzlink)沒太能做到這兩點,令樂曲層次欠鮮明。幸好木管部和弦樂部皆出色,譬如第三樂章英國管便吹得很有韻味,弦樂部亦奏得細膩。總體來說,若能改善不同聲部的平衡,增加銅管部的力量,便是一場精彩演出。
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下半場的《格拉高利彌撒曲》是意外驚喜。格拉高利字母(glagolitic alphabet)是最古老的斯拉夫文字,作品帶有強烈民族主義傾向的楊納傑克,刻意避用拉丁文,改以斯拉夫文字來創作此套天主教彌撒曲。作品包含八個章節,第一、七、八章是純器樂曲,其餘則加入了四位獨唱者和合唱團。首樂章一開始是一小號旋律,聽來竟有點《小交響曲》的影子,令人會心微笑。男高音Peter Berger在上半場唱《永恒的福音》時已令人印象深刻,此時也是眾歌者中最突出的一位。其聲線恢宏響亮,情感豐沛,唱第三章「光榮領」(Slava)最後一段詞時,雄渾嗓音挺拔而出,跟合唱團、管風琴及樂隊的澎湃音量分庭抗禮。舉重若輕,就是功力。
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樂團的合唱團聲線渾厚諧和,很值一讚。小時候在天主教學校唸書,被逼唱過無數遍「彌撒曲」,但楊納傑克這一首配器豐富,音色燦爛輝煌,跟實用性質的彌撒曲是兩回事。第四樂章尤其精彩:樂章長約十分鐘,歌詞第一個字(Veruju)被鑲嵌在合唱團不同聲部裡,反覆出現,如迷人的萬花筒圖案。文化中心管風琴這晚在兩首宗教音樂中皆派上用場,在《格拉高利彌撒曲》裡更有幾處獨領風騷。可惜獨奏略為平板,反而與樂團和獨唱者合奏時氣勢澎湃,能量超凡,將音樂會氣氛推至高峰。
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*文章原刊於IATC網站
默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-68890192044560545052017-05-14T11:49:00.001+08:002017-10-28T19:51:29.836+08:00羽管鍵琴版本的《哥德堡變奏曲》<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-18iULEl3cRcH9lPtn7OGIei47avYUmlygYb1FiO_kJy75VB25fmtXj76hAqCXMqoAMg_x8WDxEyNoeg37B0bWJjjfEhKsK-xnE1hpo4whZEF0VfjopGVERR0wCET1hkaHSocGwujhuOp/s1600/jean-rondeau-11.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="679" data-original-width="1020" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-18iULEl3cRcH9lPtn7OGIei47avYUmlygYb1FiO_kJy75VB25fmtXj76hAqCXMqoAMg_x8WDxEyNoeg37B0bWJjjfEhKsK-xnE1hpo4whZEF0VfjopGVERR0wCET1hkaHSocGwujhuOp/s400/jean-rondeau-11.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jean Rondeau</td></tr>
</tbody></table>
提到巴赫的《哥德堡變奏曲》(Goldberg Variations),很多人會即時想起<a href="http://silent-spring.blogspot.hk/2015/02/glenn-gouldgoldberg-variations.html">Glenn Gould</a>。這位鋼琴怪傑於1955年灌錄他的首張唱片,選的曲目正是當時非常冷門的《哥德堡變奏曲》。其驚人的速度、技巧,以及將多個聲部處理得瀝瀝分明的風格,瞬即迷倒一眾古典樂迷,亦令很多本來對巴洛克或複調音樂提不起興趣的人對巴赫有了新的體會。<br />
<br />
鋼琴版渾然天成,令人幾乎忘記此曲本是為雙排鍵盤的羽管鍵琴(harpsichord with two manuals)而寫的作品。羽管鍵琴無論發聲原理、音色以至韻味,都跟鋼琴相異。以往聽慣了較溫婉的鋼琴版,常有一偏見,認為用羽管鍵琴彈奏此曲,會很吵耳,但四月初在香港大學聽了法國年輕羽管鍵琴家尚隆多(Jean Rondeau)的演奏後,方發現羽管鍵琴原來也可彈得溫潤自然、氣韻生動,而且富於現代感,耳朵絕不難受。<br />
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《哥德堡變奏曲》是一首充滿結構趣味的作品,全曲由首尾兩段相同的詠嘆調(aria)及三十段變奏組成。詠嘆調的低音部旋律統攝全曲,在每段以不同面貌出現。21歲已贏得Bruges國際羽管鍵琴大賽的尚隆多,首度來港便選上這套巴赫精品,觀眾自然引頸以待。不過當外型俊朗、不修邊幅的他甫彈出第一粒音,在場者無不大吃一驚;因為他在詠嘆調前,加進了一段即興的前奏!其實巴赫本就活在「figured bass」即興時代,尚隆多又是爵士鋼琴好手,此做法雖出意料,卻合情理,也為作品添上新鮮感。
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耳朵熱身後,詠嘆調緊接出場。Gould的1981年版以極緩速奏出此優美旋律,<a href="http://silent-spring.blogspot.hk/2015/02/glenn-gouldgoldberg-variations.html">彷如在冰封的悠悠天地裡,有一個身影踽踽獨行,說不出的哀傷婉約。</a>尚隆多則採取不徐不疾的速度,節奏頗自由,音量很輕,跟鋼琴版風味迥異,卻甚具典雅意趣。之後的第一變奏,速度快而不促。尚隆多把高音旋律彈得非常突出,低音部輕聲地在背後襯托;雖減少了「左右聲部來回遊走」的聆聽趣味,但詮釋富於活力,清新自然。<br />
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三十個變奏有不少皆令人印象深刻。第五變奏是速度飛快的觸技曲,以鋼琴彈奏的話,左右手甚多「碰撞」,用兩排鍵盤則沒此問題。但見演奏家右手飛舞奏出綿密的十六分音符,左手如蜻蜓點水般靈巧點出短促低音,兩相對比,充滿跳躍動感。第十變奏是一首四聲部小賦格,尚隆多觸鍵粒粒分明,裝飾音流暢自然,呈現平穩美感。第廿八變奏速度驚人,綿綿流瀉的琴音,一氣呵成。<br />
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雖然某些節奏處理得有點奇怪(如第廿五變奏的樂句停頓),但整體而言這是一場出神入化的音樂會,觀眾的精神都被音樂家緊緊牽引著。其實羽管鍵琴不像鋼琴音色變化多端,音量變化幅度亦小,以現代觀眾眼光看,並不利於「抒情」,但尚隆多卻能徹底駕馭她,不單琴音純淨清朗,情感豐富多變,而且威力驚人。Youtube上,有他彈Padre Soler《Fandango》的影片,簡直將羽管鍵琴這撥弦樂器,彈得像佛蘭明歌結他(也是撥弦樂器)般奔放瀟灑!<br />
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Jean Rondeau演奏《Fandango》<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/q13W_HcLkNM" width="560"></iframe>
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默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-68169551953947799532017-03-18T17:40:00.002+08:002017-10-28T19:13:42.821+08:00帶著laptop上舞台<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPI9DSwpVCphg6A_zknxnX1c3OVdZxyeK5x_ZMXv3yCefDEsmpuGcY6ycQSxkv9x1bLFRj0JWSOuWYKgP1W0goc6x3KWhXqeeoYBd9hNnKd6EsA6DpgX5jPP4f_xVLW9tL41HBksGgd8F2/s1600/IMG08878.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPI9DSwpVCphg6A_zknxnX1c3OVdZxyeK5x_ZMXv3yCefDEsmpuGcY6ycQSxkv9x1bLFRj0JWSOuWYKgP1W0goc6x3KWhXqeeoYBd9hNnKd6EsA6DpgX5jPP4f_xVLW9tL41HBksGgd8F2/s400/IMG08878.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Borromeo Quartet(圖片:飛躍演奏)</td></tr>
</tbody></table>
高水準的室樂,講求技巧與默契,而後者往往比前者更難企及。最近應「香港國際室內樂音樂節」邀請來港的博羅美奧弦樂四重奏(Borromeo Quartet),則兩者兼備。除了演奏技術高超,他們還熱愛鑽研作曲家手稿,獨到的音樂見解常令聽眾耳目一新。
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樂團有二十多年歷史,活躍於美國,其中Nicholas Kitchen(第一小提琴)及其妻Yeesun Kim(大提琴)是創團成員,美籍華人Kristopher Tong則最遲加入。他們長年擔任新英格蘭音樂學院「駐校組合」,亦是少數願意擁抱科技的古典隊伍;據場刊介紹,他們是全球首隊使用手提電腦演出的弦樂四重奏組合。<br />
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一般室內樂演奏者因嫌揭頁麻煩,向來習慣看分譜,但這或多或少會影響演奏者對樂曲結構的了解。有感於此,Borromeo Quartet數年前大膽改用虛擬PDF樂譜取代實體樂譜(另加USB腳踏控制揭頁)。自此,成員在排練和演出時皆會看總譜,而且很多時還是作曲家手寫的總譜。1月20日在香港演藝學院舉行的「貝多芬解碼」音樂會,他們便全程看著貝多芬手稿演出,上半場還將手稿影像投射於銀幕,讓觀眾一起親炙大師筆跡,是一場甚具知性趣味的音樂會。<br />
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近年也曾見過一些年輕鋼琴家在台上使用iPad(譬如王羽佳和Ben Kim),卻未見過四重奏組合使用四台電腦。雖然纒繞的電線令舞台看來有點亂,不過當晚演出著實精彩,掩蓋了「賣相」的瑕疵。<br />
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音樂會是全貝多芬曲目:Op. 95,篇幅短小但激情滿滿;Op. 130,是貝多芬全聾後的四重奏作品,這次連同作曲家原打算用作終樂章的〈大賦格曲〉(Op. 133)一起演奏。整體而言,樂團甚有默契,四個聲部非常融和,同時又主次分明──雖然大提琴起初有點粗糙,顯得格格不入,但後來漸入佳境,堅實的節奏感更為樂團搭起磐石般穩重的支架。至於靈魂人物Kitchen,音色溫暖甜美,技巧揮灑自如,情感豐富但不過火,與Op. 95的硬朗明快正好匹配,聽著不禁想搖擺起舞。<br />
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不過室樂組合必須有旗鼓相當的成員。中提琴手Motobuchi不卑不亢,相常稱職,但第二小提琴手在Kitchen的強大光芒下,卻嫌音量太弱,有時幾不可聞,削弱了作品的層次肌理。<br />
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當晚音樂會另一吸引處,是由Kitchen講解貝多芬手稿上備受忽略的「funny markings」。原來貝多芬用於指示音量的符號,多達二十種:除了一般的p、f、mf等七種,還有ffmo、for、fo、p下加一或兩條橫線、pp下加一或兩條橫線等等。譬如《降B大調四重奏》(Op.130)第二樂章開首,手稿寫的就是pp下加兩橫線(意思是比pp弱,但強過ppp),不過一般的印刷版,已將之簡化為pp。<br />
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樂團對作曲家手稿有所理解,自然有更細膩演出。不過Borromeo Quartet也不是百份百死遵手稿指示的,適當時候,也會作點調整。譬如Op.130開首,譜上寫的是p(弱音),但Kitchen拉的則是極弱音──雖然不忠實,但個人認為,自有一種迷離幽深之感。(刊於2017年2月14日《信報》)
默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-51695931765585392702017-03-10T12:06:00.002+08:002017-10-28T19:07:16.021+08:00Pogostkina的貝多芬小提琴協奏曲<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFzlGynBQYCrxpa72JRGUGHcKgnmAfRPzc1Vq9xBwXmIhdAiTmHnLK-boTrTcDZUk7T3GklidfN4Ja_7JBIiXCGScIpkQ4QDCbjXco2t1jKXK5O-v7wVFdd7N1wr-Ur16u32L_upVbxM8W/s1600/Alina+Pogostkina+Plays+Beethoven_8c_+HK+Sinfonietta+Ltd-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;">
<img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFzlGynBQYCrxpa72JRGUGHcKgnmAfRPzc1Vq9xBwXmIhdAiTmHnLK-boTrTcDZUk7T3GklidfN4Ja_7JBIiXCGScIpkQ4QDCbjXco2t1jKXK5O-v7wVFdd7N1wr-Ur16u32L_upVbxM8W/s320/Alina+Pogostkina+Plays+Beethoven_8c_+HK+Sinfonietta+Ltd-1.jpg" width="320" />
</a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">柏高絲金娜今年一月首度訪港,與小交演出貝多芬小提琴協奏曲。(圖片:香港小交響樂團)</td></tr>
</tbody></table>
貝多芬一生作品甚豐,交響曲、小提琴奏鳴曲、四重奏等留下大量經典,但只寫過一首小提琴協奏曲。此曲二百十一年前(1806)首演後,曾長時間被遺忘,現在卻是無數樂迷的心頭好。它跟另外兩首同樣以D大調寫成的小提琴協奏曲(分別是布拉姆斯和柴可夫斯基的作品),無疑是全球樂團最常演出的大型小提琴與樂團作品。
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貝多芬的《D大調小提琴協奏曲》,僅第一樂章已長達25分鐘,但絕無冷場,一氣呵成。獨奏者於首樂章尤其擔當吃重角色──輕靈跳脫的裝飾性音階綿綿不絕,和主題交錯糾纏,華采段(cadenza)更是氣派不凡──必得擁有一流技巧和音樂感,才能駕馭此曲,流暢而不落於機械化的俗套。此曲錄音繁多,但我特別鍾愛Itzhak Perlman的版本(指揮Carlo Maria Giulini,樂團Philhamonic Orchestra)。其琴音醇厚如酒,情感起伏恰到好處,沒半點炫技的張揚跋扈,卻見臻至化境的自在。
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出生於聖彼得堡的柏高絲金娜(Alina Pogostkina),2005年獲得西貝遼士國際小提琴大賽冠軍,被譽為極具感染力的演奏者,一月下旬她首度來港,與香港小交響樂團及其首席客席指揮柏鵬(Christoph Poppen)合作,演奏貝多芬這首協奏曲。英國格拉斯哥《先驅報》曾讚她的貝多芬情感細致豐富(intimately-expressive),我因而懷著期望進場。不過當晚她似乎有點緊張,第一樂章前半部分瑕疵較多,幸好後來漸入佳境。
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協奏曲由定音鼓的四下輕擊主題展開。穿著藍色優雅露肩晚裝的柏高絲金娜年輕漂亮,個性卻很沉實,在最初三分多鐘樂隊的前奏部分(orchestral exposition),一直全神貫注,閉目傾聽。隨後,獨奏小提琴以上升琶音出場。柏高絲金娜使用的是1717年製的Stradivari名琴「Sasserno」,音色溫潤耐聽,可惜剛開始時音準與節奏出現了小失誤。有好幾回,她過於專注樂句尾的高音音符,努力把它拉得綿長醇厚,但樂句中的其他音符卻被犧牲了,音色不夠一致之餘,節奏亦有點不穩,頗有顧此失彼之憾。
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指揮柏鵬一如以往笑容燦爛,樂團表現也不過不失。第一樂章有一過度性主題,是由定音鼓的滾奏和弦樂部顫音率領的澎湃「齊奏」(tutti);柏鵬刻意將兩個樂句尾的休止符稍稍延長,為樂曲添加上一抹玩味,甚好。柏高絲金娜拉奏的華采段技藝精湛,缺點是過於冷靜,欠缺抑揚起伏,不過結尾處以雙音(double stop)奏出的二聲部對位旋律令人眼前一亮。
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之後是寧靜致遠的第二樂章「小廣板」(Larghetto)。經過二十多分鐘的熱身,柏高絲金娜的表現已穩定下來,將這富於歌唱性的樂章拉奏得婉約動人。小廣板結構簡單,十小節主題先由弦樂部奏出,再以變奏方式多次重現。獨奏小提琴於第十一小節加入,以G大調屬和弦與主和弦的琶音展開,優雅迷人,同時,圓號和單簧管奏出的主題輕輕隱於背後,變成襯托。獨奏者為主題添加豐富裝飾,尤其密集於高音區域,擅於處理高音的柏高絲金娜,可謂如魚得水,六連音、三十二分音符、繁複的裝飾音都拉得溫婉迷人;就算跟Itzhak Perlman的錄音相比,也不失禮。
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此樂章的主旋律極少離開G大調,完結前獨奏者再來一次第一主題變奏,於極寧靜幽微之際,樂隊瞬間轉調,帶出華采段。緊接而來的是輕快的終樂章「迴旋曲」(Rondo)。同一旋律多次重複後,獨奏者與巴松管轉入G小調,兩者美妙地對答,聽者有如置身宮廷舞會,看著貴族們翩翩跳起圓舞曲。華采段之後,樂團一瀉而出,樂曲輝煌地結束。
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下半場是柏鵬極擅長的布拉姆斯。自2015/16年度起擔任首席客席指揮以來,柏鵬帶領小交指揮了好幾場布拉姆斯音樂會,第一、二和四交響曲皆已演過,甚獲好評。小交在柏鵬調教下,音色和準繩度已顯著改進,但這晚的第三交響曲,木管部音色較朦,第一樂章的主題旋律也稍嫌不夠爆發力。相比起來,我還是更喜歡去年的布拉姆斯第一交響曲。(原刊於2017年2月11日《文滙報》) 默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-77944354491196716472017-02-20T14:37:00.001+08:002017-10-28T18:57:30.694+08:00澳門玫瑰堂聆樂記<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxpo0TQWdc0JJ62QbVBbPKcm7koYSMhJOZas2XPJ4Vx0hgXc0GH-sXNQ2O3nORIjpZIffg0vQ8bTXcw2dzNUh0jHLXehVk2TNVtEIyJBURbCQYYgBjYDm_ppwKvzSM-WzHZ-RbQZ1Z-505/s1600/%25E7%258E%25AB%25E7%2591%25B0%25E5%25A0%2582.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxpo0TQWdc0JJ62QbVBbPKcm7koYSMhJOZas2XPJ4Vx0hgXc0GH-sXNQ2O3nORIjpZIffg0vQ8bTXcw2dzNUh0jHLXehVk2TNVtEIyJBURbCQYYgBjYDm_ppwKvzSM-WzHZ-RbQZ1Z-505/s400/%25E7%258E%25AB%25E7%2591%25B0%25E5%25A0%2582.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">玫瑰堂</td></tr>
</tbody></table>
在歷史悠久的老教堂聽音樂會,令人回味的往往不是音樂本身,而是獨一無二的聆樂經驗。記得多年前曾在愛丁堡一小教堂聽「馬勒四」現場演出,我坐在第一排右側位置,跟低音大提琴手僅相距一個身位。於是整場演出,那走了調的低音大提琴都在耳畔隆隆作響,比正常音量放大好幾倍。然而這扭曲了的「馬勒四」卻成了日後難忘的馬勒音樂回憶,那有如「捲進了音樂旋渦」的震撼,亦至今難忘。
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在香港,一些教堂也有音樂演出,譬如聖約翰座堂便定期有午間recital,不過通常以獨奏會或聖詩演出為主,鮮有管弦樂團演出。想在教堂裡聽整隊orchestra的話,便要到澳門去。<br /><br />
澳門玫瑰堂是當地最常舉行音樂會的教堂。十二月初,在此聽了澳門樂團的「拉丁隨想曲」音樂會。擔任獨奏小提琴的是澳門樂團首席保羅.莫連拿(Paolo Morena),指揮是羅伯特.賈諾拉(Roberto Gianola)。雖是免費音樂會,但內容毫不馬虎,約一小時的曲目包括巴卡羅夫(Bacalov)《小提琴協奏曲》、柴可夫斯基《意大利隨想曲》(Capriccio Italien),和Rimsky-Korsakov《西班牙隨想曲》(Capriccio espagnol)。<br />
<br />
玫瑰堂有著鮮黃色漂亮立面,位於議事亭和大三巴之間,路過旅人如過江之鯽,是理想另類演出場地。旅客們逛累了,可隨興取票走進此文化遺產(門票通常在開場前一小時派發),聽聽音樂,同時觀賞聖壇和雕像──如此精彩的免費活動,怎愁沒捧場客?實在欣賞澳門當局懂得將古典音樂置於城市裡最繁囂處,讓一般人與它不期而遇──因為這正是普及古典樂的不二法門。<br />
<br />
說回音樂會。阿根廷出生的意大利作曲家巴卡羅夫,古典樂迷或感陌生,因他主要活躍於電影配樂界,作品包括《The Gospel According to St. Matthew》(柏索里尼執導)和《Postman》(Michael Radford執導),後者曾獲奧斯卡最佳音樂獎。巴卡羅夫風格多樣化,尤愛在作品中融進阿根廷探戈音樂,是次演出的《小提琴協奏曲》亦不例外。據場刊介紹,此曲是他專為莫連拿所寫。第一樂章由帶點詭異感的獨特短促節奏展開,獨奏小提琴隨後加入,旋律並非悅耳一類,卻自有一股魔力。最初的短促節奏多番浮現,串起整個樂章,而近尾聲時單簧管與小提琴唱和,則甚為動聽。<br />
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莫連拿的琴音溫暖渾厚,高音純如清泉,我最喜歡他一流的音樂感;就算只是數個音符,亦能奏出豐沛情感,確把此曲拉得生氣盎然。美中不足是他的琴聲略為單薄,無法投射得太遠(我坐在第五排,亦覺聲音太細),後排觀眾恐怕聽得不太清楚。<br />
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澳門樂團於「教堂音樂會」選奏此曲,實在相當進取,因此曲的旋律多屬片段式,著重氣氛渲染,並非易「入口」之作。坐在我旁邊的兩位中年街坊便不太受落,一曲既畢頻頻交換意見。幸好接著是人見人愛的柴可夫斯基《意大利隨想曲》。<br />
<br />
樂曲甫開始,小號吹起嘹亮簡潔的軍樂旋律──這是作曲家在意大利旅行時,每早於旅館聽到的軍樂聲。澳門樂團的銅管部向來不錯,今年五月聽呂嘉指揮的蕭斯塔科維奇第五交響曲,已印象極佳。清脆小號先聲奪人後,其他銅管便陸續加入,吹得金光燦然,滿室生輝,觀眾的精神亦為之抖擻起來。有趣的是,恢宏的銅管聲,跟教堂本有的靜穆兩相碰撞,頗有魔幻現實之感。在演奏前曲時一直拘謹抑壓著的音量(估計是為免掩蓋獨奏小提琴家的琴音),於此時的「double forte」終於全面爆發,氣場銳不可擋。以前我常以為教堂的聲效太過「離散」,演奏大音量樂段效果或許欠佳,但原來並不一定。<br />
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銅器之後隱身於低音域三連音節奏中,由弦樂部奏出內斂旋律,主題逐漸發展,最後活潑輕快的意大利舞曲「塔蘭泰拉」上場,將氣氛推至高潮。指揮賈諾拉的肢體動作平實,但有效地控制各聲部平衡,應記一功。縱然寫此曲時柴可夫斯基跟妻子關係搞得並不愉快,但「旋律大師」於旅途中仍不忘發掘好聽的民謠和街頭音樂,並技巧地融入作品中,使《意大利隨想曲》聽得人輕快愉悅,甚欲狂歌起舞。<br />
<br />
隨後的《西班牙隨想曲》,歡快熱鬧如嘉年華的舞曲,在毫無預兆下傾瀉而出,妙不可言。單簧管與小提琴獨奏部分,與豐富的樂團音色構成強烈對比。第二樂章是變奏曲,吹奏主題旋律的圓號有點朦朧,但由不同樂器聲部擔當主角的五段變奏卻相當吸引。事實上,一邊聽著結構簡明的變奏曲,一邊欣賞擁有四百多年歷史的教堂古蹟,是一大樂事。至第三樂章,客席樂團首席梁大南獨挑大樑,奏出兩段跳躍輕快旋律,可惜拉得拘謹,節奏亦不夠穩健,影響了樂章的灑脫美感。幸好最後兩樂章,吉卜賽的狂歡節奏感染力非凡,為音樂會劃上美好句號。一個小時轉瞬即逝,走出教堂,議事亭前地的聖誕燈飾閃爍,如在延續熱血沸騰的音樂氣氛。(原刊於<a href="http://www.cup.com.hk/2017/01/24/iatc-latin-capriccio-concert-at-st-dominics-church/">CUP</a>)默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-10907347076993613972016-12-09T11:04:00.002+08:002019-01-22T14:08:56.246+08:00夾在歌舒詠之間的結他天后<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyYCFR513V0Zwwdh2QGVaUnU_E7IdEMVS80AyLmStDEkZlZJv21UCW99EbE0c4axbjbkStAViErb8JyaPuxA2BD41eTP7pHU46LOVVVWi2giIfz5CuHWVAmWOx7Xb2ztmQTzdCEuw8C5KQ/s1600/Xuefei+Yang_%2528c%2529Neil+Muir.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyYCFR513V0Zwwdh2QGVaUnU_E7IdEMVS80AyLmStDEkZlZJv21UCW99EbE0c4axbjbkStAViErb8JyaPuxA2BD41eTP7pHU46LOVVVWi2giIfz5CuHWVAmWOx7Xb2ztmQTzdCEuw8C5KQ/s400/Xuefei+Yang_%2528c%2529Neil+Muir.jpg" width="245" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">楊雪霏(攝影:Neil Muir)</td></tr>
</tbody></table>
和其他西方弦樂器相比,用手撥弦的古典結他,音量很細,似乎先天不宜於作協奏曲的獨奏樂器。但失明西班牙作曲家盧狄高(Rodrigo)寫於1939年的《Concierto de Aranjuez》,卻是極少數巧妙運用編寫手法、使結他在樂團雄渾聲量下仍能「突圍而出」的結他協奏曲。此曲幾乎已是世界各地樂團唯一會多番演出的結他協奏曲。三年前曾與Miloš Karadaglić 合作此曲的「港樂」,今個樂季便再次在節目表排上這首作品,獨奏者是來自北京的「結他天后」楊雪霏。
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已簽約環球唱片的楊雪霏,是文革後進入中央音樂學院修讀結他專業並獲學士銜的第一人,除了擁有令人嘆服的演奏技巧,亦會不時改編古典作品或民謠音樂,努力擴闊古典結他曲目。十一月這場名為「結他天后楊雪霏」的音樂會,由加拿大國家藝術中心新上任音樂總監Alexander Shelley指揮。古典結他迷如我,自是衝著Rodrigo的協奏曲入場(畢竟結他和樂團合奏的機會不多),可惜音樂會的音效處理差強人意,聽後頗感悵然。
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協奏曲排在上半場歌舒詠的《一個美國人在巴黎》之後。當工作人員拿出擴音用的麥克風,架在結他手的腳踏前面時,我便開始擔心。近年古典結他手多使用擴音器材,這原也是無可厚非的安排(尤其在較大場地,不擴音的話後排聽眾根本聽不清),然而很多時負責擴音安排的工作人員並不關心擴音後的結他聲是否「像真」,或與其他樂器聲是否「配合」,令現場聽古典結他演奏的樂趣大打折扣。楊雪霏這次會否也出現如此情況呢?
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樂曲一開始,是一輪充滿西班牙佛蘭明哥色彩的D大調和弦彈指掃弦(rasgueado),楊以平素乾淨俐落的指法,輕鬆打開局面。但沒多久,我擔心的問題便出現了:擴音後的結他聲「咪聲」很重,跟沒經擴音的樂團音色顯得格格不入。有時結他聲還被distort了,想聽到真實的木結他聲音變化,根本不可能。最可惜的是,雖然做了擴音,但在某些齊奏段落,結他聲仍然被掩沒掉。到底是我太吹毛求疵嗎?抑或坐的位置不好(樓上正中)?就連那向來令人怦然心動的第二樂章英國管(cor anglais)獨奏旋律(由結他輕柔掃弦伴奏),男樂師亦只是交出準確但欠愁緒的貨色,令人氣餒。
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當然,楊雪霏的技術是令人擊掌的,按弦的左手毫不拈滯,收放自如,撥弦的右手處於極放鬆狀態(第三樂章「雅致的快板」尤見功力,速度飛快而沒閃失,比Youtube上Pepe的現場版本還要優勝),雖然感情營造仍有改進空間。
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除了擴音問題,這次的節目編排也令我頗感疑惑。西班牙風格的《阿蘭胡埃斯結他協奏曲》配比才的《卡門舞曲》,很好,但以美國作曲家歌舒詠作品來開頭和收結,是否太不相干?節目編排很影響觀眾的入場意欲,個人認為,若能捨歌舒詠,改配西班牙作曲家如Isaac Albéniz或Manuel de Falla作品(兩人的音樂皆被大量改編成古典結他曲目),豈不更見心思?<br />
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較短版刊於2016年12月7日《信報》 默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-20644927485170590892016-11-24T12:25:00.002+08:002019-01-22T14:11:49.829+08:00巴哈的考驗<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYVVWJQB4r3-hlM0Pv98feSCz3ij4BrGhk1CdzACWX4NAp1_-MR7WeTHp4DZRSTR72sRghD_F5IqH-7YSb8jh_xkYUMZoLG8xdM0ntzIpia3hnsV60LpdFpe_5PbGPX4e4tiQA4kyPwniI/s1600/IMG_20161018_205124.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYVVWJQB4r3-hlM0Pv98feSCz3ij4BrGhk1CdzACWX4NAp1_-MR7WeTHp4DZRSTR72sRghD_F5IqH-7YSb8jh_xkYUMZoLG8xdM0ntzIpia3hnsV60LpdFpe_5PbGPX4e4tiQA4kyPwniI/s400/IMG_20161018_205124.jpg" width="296" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">澳門崗頂劇院</td></tr>
</tbody></table>
陳銳這場在澳門崗頂劇院舉行的小提琴獨奏會,頗有點向自己挑戰的意味。上半場是巴哈《第一號無伴奏小提琴奏鳴曲》(Sonata)及《第三號無伴奏組曲》(Partita),下半場是二十世紀小提琴家伊薩伊(Ysaÿe)受巴哈啟發寫成的《第四號小提琴奏鳴曲「Fritz Kreisler」》、一首維尼亞夫斯基(Wieniawski)《練習曲與隨想曲》,和我最引頸以待的巴哈《第二號無伴奏組曲》的〈夏康舞曲〉(Chaconne)。
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在沒有鋼琴伴奏下,獨奏小提琴家要獨挑大樑,同時擔起「旋律樂器」和「伴奏樂器」兩個角色,難度之高自不待言,但比技術更難拿捏的,卻是理解力和感染力。拉奏巴哈六首無伴奏作品,必須拉出深刻情感,才可入樂迷法眼。生於台灣、長於澳洲的陳銳,贏過曼奴軒和伊利莎伯女王大賽冠軍,去年獲邀在法國國慶日演出,今年在英國廣播公司逍遙音樂節首演亦廣受好評;這年輕俊朗的男生,技巧不用懷疑,但才廿七歲的他能否體會巴哈的深度?這是入場前腦海裡升起的問號。<br />
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當然,年齡並非演奏家能否跟巴哈「過電」的關鍵,主要還看音樂修養和個性。美國女小提琴家漢恩(Hilary Hahn)於十七歲時灌錄的〈夏康舞曲〉線條清晰、起伏有致、意境深遠,便可媲美曼奴軒或謝霖(Szeryng)的經典版本。<br />
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陳銳拉第一首巴哈時,顯得頗為緊張,高低聲部處理並不理想,聽起來有點凌亂和斷裂。可能是因為崗頂劇院的音效不如現代化音樂廳,琴音聽來甚頗「乾身」,令他有點措手不及?<br />
<br />
崗頂這古蹟是雅致的演出場地,淡綠色羅馬圓拱門廊充滿歷史感(建於十九世紀,是中國首座西式劇院),細小空間亦適合獨奏或室樂演出,不過聲效和隔音始終較弱。我坐在樓上近入口,便經常聽到外面有類似電單車駛過的噪音。<br />
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一曲既畢,擅於搞氣氛的陳銳開腔講話,令氣氛輕鬆不少。他坦言每年只會安排一場獨奏會,因為獨奏的挑戰實在太大。跟觀眾交流後,他也漸入佳境,以溫潤音色拉起第三小提琴組曲的〈前奏曲〉。節奏與聲部平衡皆掌握得很好,樂章充滿朝氣。陳所用的1715年斯特拉迪瓦里(Stradivarius)製的小提琴,昔日屬於神級小提琴家約阿希姆(Joseph Joachim)所有(我無法停止幻想,這琴在首演布拉姆斯小提琴協奏曲時是怎樣的光景),但音色並非屬甜美那類。當陳銳拉奏第三樂章〈嘉禾舞曲〉(Gavotte)時,聽起來甚至有點粗糙和火氣,不知是琴還是人的原因?〈嘉禾舞曲〉的主題旋律,就算非古典樂迷也耳熟能詳,但陳銳的造句卻不太自然,開首的雙音(E及B音)停頓過長,令本來輕巧的樂句有點失衡,有點可惜。<br />
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整體而言,我對上半場是有點失望的,幸好下半場有「Fritz Kreisler」奏鳴曲(作品27)這個意外驚喜。無論和弦、撥弦、飛快的急板等,全都難不到陳銳,樂曲演繹得神采飛揚。或許這類炫技為主的作品更適合他輕快活潑的個性。<br />
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當晚的壓軸演出,是巴哈第二號無伴奏組曲裡的尾樂章〈Chaconne〉。這首長十五分鐘、堪稱世上最感人肺腑的小提琴獨奏音樂,是音樂會的焦點所在。八個小節的主題加三十個變奏,卻把整個世界的愁緒都囊括其中,〈Chaconne〉可說是小提琴家的終極考驗。<br />
<br />
陳銳明顯拉得用心,第一小節的標誌性D小調和弦甫響起,淡淡哀愁便在劇院迴盪。不過來到首個變奏,他以極強力度突出幾個和弦,聽來頗覺突兀。我無法判斷這是刻意營造的風格,還是技術掣肘造成的結果?他在好幾個處都出現這種「鋤琴」情況,使樂句變得斷裂。<br />
<br />
當然,他的〈Chaconne〉還是相當動聽的,尤其中段:主題重現後,樂曲由D小調轉至D大調,激昂琶音將氣氛推至高潮,輕微停頓後重返D小調,一切激情迅即被收攏起來,換上靜穆氣氛……這些急風驟雨的變化,他都掌握得恰宜。但若論整體樂句結構和情感表達,他的〈Chaconne〉始終差了一點火候,遠未能使聽者墜進「沉迷其中,不能自拔」的心情。個人認為,浪漫派作品又或帕格尼尼的炫技曲,更加適合其個性。他在加奏時拉奏的帕格尼尼《隨想曲第廿一首》,音色之美、上弓跳音(up bow staccato)的輕而易舉,便令聽者如沐春風。<br />
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(原文刊於<a href="http://www.iatc.com.hk/doc/90619">IATC網站</a>) 默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-28857148963485255852016-11-02T13:55:00.000+08:002016-11-02T13:55:00.589+08:00佛瑞、巴哈與 Jet Lag:專訪英國大提琴家 Steven Isserlis<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQpDofS9VlcdUr59c8nNvAwrA2Ov4PQPMwCKKTDFArhGnCSsqBf-YZD6bwJfBvjOv9dEeJuDY84L483A2Cm6JPV95E8gQsqVI4EaxxWqyMSI_WVPZmbQhj8uzOw3LXyNum5-TtMFh8PuZ9/s1600/isserlis.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQpDofS9VlcdUr59c8nNvAwrA2Ov4PQPMwCKKTDFArhGnCSsqBf-YZD6bwJfBvjOv9dEeJuDY84L483A2Cm6JPV95E8gQsqVI4EaxxWqyMSI_WVPZmbQhj8uzOw3LXyNum5-TtMFh8PuZ9/s400/isserlis.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Steven Isserlis十月在港舉行的演奏會。(圖片由港大Cultural Management Office提供)</td></tr>
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馬友友、Steven Isserlis、Mischa Maisky,這三位仍然活躍的中生代大提琴名家,最近陸續來港演出,喜歡大提琴的樂迷相信都樂滋滋的掏了腰包,躬逢其盛。雖然九月那場馬友友跟港樂的開幕音樂會,令人頗有「雷聲大雨點小」之感,但幸好英國大提琴家Steven Isserlis十月中在港大的演出極具水準,鋼琴伴奏Connie Shih更是意料之外的精彩。
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演奏會前一天,有幸跟一頭標誌性卷髮、說話又輕又快的Isserlis作簡短訪問。(「有幸」的還包括香港樂迷。Isserlis十月的亞洲巡演本來包括首爾、香港、上海、東京等城市,但他因私人理由臨時取消了後半部行程(中國和日本),香港因而變成巡演尾站。)睡眠不足的Isserlis不如想像中健談,但總是語帶幽默,跟他寫童書的筆調一致。
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這次亞洲巡演的主題是「普魯斯特和音樂」(Proust and Music)。不過Isserlis非常坦白,「我絕不是他的書迷。我恐怕要用十八個月才可能讀完他整本小說!」法國作家普魯斯特的《追憶似水年華》(À la recherche du temps perdu),無疑是「談的人多於讀的人」的不朽巨作(這部意識流經典全長七大卷),但普魯斯特跟音樂有不少淵源。除了年輕時跟委內瑞拉裔作曲家Reynaldo Hahn是同性戀人外,普魯斯特也很欣賞當時活躍於巴黎的作曲家如德彪西(Debussy)、佛瑞(Fauré)、弗朗克(Franck)等。在《追憶似水年華》裡,他虛構了音樂家Vinteuil這個人,每逢Vinteuil的小提琴奏鳴曲響起,便會勾起主角Swann不少傷感回憶。據說Vinteuil正是多個真實音樂家的「綜合體」。
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這次演奏會的曲目來自Hahn、佛瑞、弗朗克等,還有從普魯斯特獲得靈感的英國當代作曲家Thomas Adès的《Lieux retrouvés》。雖然個人較喜歡Isserlis當天演繹的弗朗克《A大調奏鳴曲》,但原來演奏家自己最愛佛瑞的《D小調第一號奏鳴曲》。
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「我太愛佛瑞了。跟他的《第二號奏鳴曲》不同,這是一首很難『進入』的作品,因它的音樂語言很獨特。我二十多年前曾灌錄過它,但年歲漸長後有新的領悟。此曲就像個害羞的人,你不易跟他熟稔,但他卻是有趣的。」他透露,即將第二度灌錄此曲。
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佛瑞在香港未必是很熱門的音樂選擇,但法國人至今對他仍相當傾心。記得半年前訪問法國鋼琴大師Michel Dalberto,他也對佛瑞情有獨鍾。跟佛瑞相識的普魯斯特,更想過寫一本談佛瑞音樂的書。佛瑞為何如此吸引?Isserlis在他為兒童寫的作曲家故事集《Why Handel Waggled his Wig》中如此形容佛瑞:「He wasn't the type to draw attention to himself. ...He is a major musical figure, simply because he wrote some of the most angelically beautiful, pure, touching and ecstatic music that has ever been written.」
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佛瑞早年就讀的Ecole Niedermeyer,重視對位法和教會音樂,對他的風格影響深遠。晚年,他在恩師聖桑的大力促使下,當上法國音樂學院院長,銳意改革學院守舊風氣,與此同時,他的耳朵卻漸聾了,高低音聽起來都是扭曲的。身份和身體的變化,令他晚年作品既富衝勁,又飽含生命的痛苦與焦慮。《D小調第一號奏鳴曲》正寫於他七十二歲耳朵已聾之時。<br />
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除了浪漫派作品,Isserlis拉的巴哈《無伴奏大提琴組曲》(Six Cello Suites)也極受歡迎。我打趣問:「為何這次亞洲巡演不拉Cello Suites?年初你才剛在倫敦Wigmore Hall拉過第一、四和五號組曲呀。」沒想到有驚人答案:「我永遠不會在香港拉奏巴哈Cello Suites的。」何解?「我在時差狀態下不能拉奏它們,因為這樣我會緊張到想死!其他地方如紐約也不例外。我常在紐約演出,但絕不拉Cello Suites。」<br />
<br />
沒有耳福,唯有聽唱片。十年前他為Hyperion灌錄的Cello Suites雙CD,使用羊腸弦線拉奏,琴音甜美,情感表達則趨近現代,澎湃激烈。Isserlis對樂譜版本頗有研究,在唱片裡收錄了第一組曲〈前奏曲〉的三個手抄本 (Magdalena版、Kellner版和Christoph Westphal版)。「我以前練習時常參考不同手稿,將它們通通錄出來,便不用傷腦筋選擇跟隨哪個版本了!」他開玩笑說。通常,他的演繹和Anna Magdalena (巴哈第二任妻子) 手抄本最接近。「不過三個版本我沒有全部拉對......後來我想,若能加上史上第一個印刷版本便更圓滿。」該版本dynamics豐富,跟手抄版對比顯著。
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巴哈的六首《無伴奏大提琴組曲》,作曲家本人沒留下手稿,而Magdalena手抄本又沒任何interpretation markings,演繹者因而擁有極大自由,去展現他眼中的巴哈世界,以及自身修為。這六套樂曲彷如大提琴家的「較量場」。
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雖然個人始終較喜歡Pablo Casal版本( 譬如聽慣他第一組曲〈前奏曲〉較緩慢的節奏和莊嚴的味道,多少會被Isserlis的速度和輕快嚇一跳 ),但Isserlis的版本自成一個世界,穩佔江湖地位。他還說,有朝一日或許會為六套組曲拍點錄像,「我對它們有深刻體會。 (I feel it very deeply)」樂迷且拭目以待。默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-83399975082513133612016-10-21T11:07:00.001+08:002019-03-18T17:33:39.845+08:00臉譜、北京城、無眠夜<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6qM5KHYdijQ1pZZo-BMwKTrll3pyQrHjvvA4KyZm2IGUO_xkUxOOb0ic2bUvDq6MM1uXqRAxfCTMb6lP8r6HLNl6aI3Lo4XCtdQ1suC8FB8zfMZOTFqMhR9-XgjYGXAiDBHFnQdLqu0iE/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6qM5KHYdijQ1pZZo-BMwKTrll3pyQrHjvvA4KyZm2IGUO_xkUxOOb0ic2bUvDq6MM1uXqRAxfCTMb6lP8r6HLNl6aI3Lo4XCtdQ1suC8FB8zfMZOTFqMhR9-XgjYGXAiDBHFnQdLqu0iE/s400/03.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">《杜蘭朵》劇照(澳門國際音樂節提供)</td></tr>
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(1) <br />
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普契尼1924年的遺作《杜蘭朵》,講的是中國公主以謎題招親的故事。但凡以「異國」為題材的作品,看在「異國」觀眾眼裡,總是百般滋味,《杜蘭朵》亦然。北京皇城、中國公主、皇帝、老百姓......當這些熟悉的「中國元素」由西方導演呈現時,朝代與服飾等等不免會搞錯,又或混入東洋風格,我們看著總覺詭異。
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<br />
不過澳門音樂節今年製作《杜蘭朵》時很聰明,開場字幕已言明背景:「神話時代的中國北京城」。既是神話,又能挑剔什麼?
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大多數《杜蘭朵》製作都傾向寫實風格(張藝謀便曾在紫禁城太廟前「實景」演出)。不過導演Gianearlo del Monaco這次大膽剝走實感,改用簡約和劇場化手法:懸掛不同顏色布條,象徵時空變化;以黑色立方體代表皇帝御座;以鑲著金色門釘的漆黑城門包圍舞台,宣示金鸞大殿空間......其實抽象化不是壞事。像杜蘭朵公主在「滿月」裡出場便極精采──風吹著她純白的衣衫,飄然若仙,既彰顯公主的高貴,也緊扣月亮意象。不過當抽象夾雜著具象,有時竟會出現「詼諧」效果(宮女服飾便太真實,和主角們格格不入),更有甚者,若導演貪圖抽象、純粹,忽略符號的聯想,更可能會把事情搞砸。劇中使用的「臉具」便是一例。<br />
<br />
除了幾位主角,演員(兼合唱者)由頭至尾皆戴著鮮艷的臉具。第一幕開場,飾演老百姓的「韓國國家合唱團」成員,全部身穿藍色衫褲,戴著黃色臉譜和黃手套,以方陣排列。很抱歉,我第一時間聯想到改革開放前的共產中國(當時人們只能穿黑藍灰)、千人一臉、社會主義、對馬列毛抱天真信仰的年代......思緒飄到很遠。<br />
<br />
雖然明白導演想強調《杜蘭朵》的希臘悲劇元素,而希臘悲劇的特色之一就是使用臉具;但當「臉譜人」與「北京城」crossover,只會令人汗毛直豎,心生瞹眜聯想;導演你又可曾知道這些?<br />
<br />
(2) <br />
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《杜蘭朵》甚考演員唱功,但對男主角的真正考驗肯定是第三幕。試問誰不是衝著動人心扉的《Nessun Dorma》而來?<br />
<br />
今夜無人會入眠,<br />
就算是您這深宮裡的公主亦然,<br />
您望著天上繁星,<br />
為愛情與希望在發抖。<br />
但我的秘密深藏內心,<br />
沒人會知道我的名字,<br />
沒有!沒有!<br />
直至天亮時我在公主您唇上揭曉。<br />
<br />
Nessun dorma! Nessun dorma!<br />
Tu pure, o, Principessa,<br />
nella tua fredda stanza,<br />
guardi le stelle<br />
che tremano d'amore<br />
e di speranza.<br />
Ma il mio mistero è chiuso in me,<br />
il nome mio nessun saprà!<br />
No, no, sulla tua bocca lo dirò<br />
quando la luce splenderà!<br />
<br />
流亡的韃靼王子Calaf本來已成功回答謎題,可娶杜蘭朵公主為妻,但他不欲勉強公主,於是提議:公主若在黎明前猜出他名字,他自願送命。<br />
<br />
在現實世界裡,盪氣迴腸、徘徊生死的愛情,會惹來人們的嘿嘿冷笑(Calaf遠遠看見杜蘭朵公主便愛上她,但我們誰還相信一見鍾情?)。不過經普契尼藝術昇華,一切變得順理成章。仰望星空、情深款款的Calaf,體現了愛情的盲目與激烈、溫柔與犧牲。<br />
<br />
10月3日晚飾演Calaf的是韓國人朴志應。他曾多次擔演此角,可謂手到拿來。他的嗓音有Pavarotti影子,恢宏渾厚,加上身型壯碩,甚具壓場感。可惜演繹此曲時,只有澎湃壯烈,稍欠詩意溫柔。唱到「Vincerò!」時,更是純粹的「我要贏」霸氣,不見一絲焦慮(畢竟輸了要賠上性命呀)。或許我們都聽慣了Pavarotti或Bocelli版本,其他演繹總覺不妥。不過總體而言,各主角都有甚佳表現,尤其意外驚喜的是飾演柳兒的Lana Kos。無論是第一幕勸告Calaf或死前的哀怨詠嘆調,都情感婉約,如泣如訴,可謂天生的歌者,謝幕時更贏得一片喝采。<br />
(較短版本刊於2016年10月20日《信報》)<br />
<br />默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-76629556417685443452016-09-29T12:07:00.000+08:002016-09-29T12:09:03.413+08:00虛擬與真摯:專訪Eric Whitacre <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-ZuOjabLeyjjMdzoQuIIjFDB1Mk5vJ11I35T5mC38cBKCdFe2ti9jGH2tCnEEy2rFNQY3zjirZM5PexH50o1o1kJ_YtTJOudDGFlGW9aJCAXL6NVH3H79i5tj9CVx7Ndiw7OipQZ5bqhY/s1600/IMG_7911.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-ZuOjabLeyjjMdzoQuIIjFDB1Mk5vJ11I35T5mC38cBKCdFe2ti9jGH2tCnEEy2rFNQY3zjirZM5PexH50o1o1kJ_YtTJOudDGFlGW9aJCAXL6NVH3H79i5tj9CVx7Ndiw7OipQZ5bqhY/s400/IMG_7911.JPG" width="400" /></a></div>
網絡時代,一切都出現天翻地覆的改變,聽古典樂也不例外。因著科技的普及,越來越多「窮樂迷」得以享受「中產」般的古典樂趣:隨時可以(在spotify)聽大量錄音、即時(在youtube)欣賞蕭邦鋼琴大賽直播、(在臉書)看BBC Proms的音樂會綵排和花絮.....不過論最具「網絡2.0」特質的事,則肯定是Eric Whitacre開創的「虛擬合唱團」(virtual choir)。互不認識、散落在地球不同角落的業餘歌者,共同參與演唱一首作品,並獲得數以萬計的like──虛擬合唱團可謂盡得時代精粹:全球化參與、足不出戶、網絡瘋傳。
<br />
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八月中,Whitacre應「香港節慶管弦樂團」邀請來港演出,趁此機會訪問了這位爽朗健談、表明討厭特朗普的美國當代作曲家。<br />
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八十年代末在內華達大學唸書前,Whitacre是典型band仔,熱愛Depeche Mode,外型有點像Wham!主音George Michael,「那時我玩synthesiser,不懂讀樂譜,夢想是當搖滾巨星!」不過大學一年級加入合唱團後,卻彷如開了心眼,瘋狂愛上合唱曲。「第一次練習唱的是莫扎特《安魂曲》。我永遠記得,當指揮掦起手臂,一百二十人一起吸氣的剎那!大家像連成一體,有著共同理念,全心全意追求美。」<br />
<br />
大學三年級,他寫出人生第一首合唱音樂《Go, lovely rose》,送給合唱團指揮(及其啟蒙老師)David Weller作禮物。「當團員唱出我的歌時,就像聽到我的生命出現在軀體之外,感覺太棒了!」從此他立定志向作曲,把握任何寫曲或指揮的機會,並認真在大學接受正統音樂訓練。最後他共用了七年取得學士學位,之後再於茱莉亞音樂學院完成音樂碩士;當時他的作品已廣受合唱團圈子歡迎,1997年推出首張唱片時,更登上古典銷量榜冠軍。2010年他與Decca簽約後推出《Light & Gold》,獲美國格林美「Best Choral Performance」獎。<br />
<br />
回看來時路,Whitacre笑言當初對古典樂「一竅不通」,或許幫了他一把。「我十八、九歲時對一切規則和傳統都全然天真無知,所以我一點包袱也沒有,風格純然建立在我喜歡的東西之上,就算巴哈、披頭四、Bjork拼在一起也可以。」雖然他也有為木管樂隊、管弦樂團及電影創作音樂,但Whitacre最受歡迎的作品始終是四聲部(SATB)合唱曲,而他對和聲的獨特處理尤其令人著迷。譬如他愛用泛音列(overtone series)加上不作解決(unresolved)的四度音程,來營造星光閃爍的效果,他的二度和聲(secundal harmonies)也經常不作解決。<br />
<br />
Whitacre笑言他對人聲有種莫名喜愛(連妻子也是女高音),因為人聲最human:「每個人的聲音都不同,是真實的自己(authentic self)。」不過有趣的是其作品的人聲有時像層層湧現的海浪,或巖洞裡的風聲,完全抹掉個體性,極具詩意。<br />
<br />
Whitacre愛對大自然著墨。譬如1992年創作的《Cloudburst》,靈感源自他親睹的一場沙漠雷雨,歌詞是墨西哥詩人Octavio Paz的同名詩歌。「小時候我住在地廣人稀的內華達,那時常獨自一人在沙漠徒步。天空看來真大!我覺得跟大自然很接近。我的作品,有時就是想捕捉大自然的神奇。」<br />
<br />
這次節樂團亦有演出《Cloudburst》。此曲其實很能體現Whitacre天馬行空的創意:合唱團成員除了唱,還要用手指和大脾參演。作品後半部,他們會一邊唱一邊「躂」手指(用姆指和中指摩擦發聲)或拍打大腿──若閉目傾聽,直能感受到簷前淅瀝雨聲帶來的涼意。「我最近在想,自己是怎樣找到那種聲音?我想創意就是對基礎或前設提出問題(to question the premise and the foundation)吧!譬如看見台上的合唱團,我會問:何為放著團員身體這麼多部分不用?」<br />
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擅於從根源思考問題,應該也是他七年前構想出「虛擬合唱團」的關鍵。當在Youtube看到一位樂迷穿著家居服、在家裡對著鏡頭唱出他作品<a href="https://www.youtube.com/watch?v=3xGBWhWgydw">《Sleep》的女高音聲部</a>時,Whitacre忽發奇想:何不號召各地歌唱愛好者,唱出同一首歌的各個聲部,放上youtube,然後由他用剪接技術合拼成「虛擬合唱」?他隨即在博客號召人們參與這帶著玩味性質的實驗。「最初我甚至不知道念頭是否可行」,他說。沒想到<a href="https://www.youtube.com/watch?v=D7o7BrlbaDs">「虛擬合唱團」(VC)影片</a>感動了很多人,且在網絡瘋傳;至今VC 1的累積點擊率是五百多萬,2013年的VC 4則在眾籌成功後,得到全球近六千名歌者參與。<br />
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我很好奇,面對數千條youtube影片,水準有高有低,如何才能「製作」出聲部均稱且動聽的佳作?「人聲與樂器不同,當越多人一起唱,便越能將粗糙處磨滑。」此外,他亦會選出二、三百條,作為「核心」歌聲,其餘則以回聲呈現。<br />
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Whitacre透露現正籌備第五次VC,這次計劃更具野心。「我們想設計一個輔助歌者正確演唱的app。此外,還希望找到實質的展示空間,譬如巨型拱頂之類的場地。當人們走進來,便會被數以萬計演唱影片包圍。」為了吸引更多人參與,這次他打算寫一首兩分鐘的簡短作品。<br />
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人聲,真是世上最奇妙的樂器。它不花你一分錢,心血來潮便可「演奏」。記得Whitacre在訪問中提到,過去四次VC他都逐一觀看參加者影片,並發現一人性共通點:「我由他們開機、整理衣服開始看起,看了幾千條片後,我赫然發現,每個人一開腔唱歌,就像突然拿下平日戴著的『面具』般,露出最真摯的表情。一旦唱完了,她/他們又會戴回『面具』!」縱然Whitacre的VC因規模日大而漸變成一盤生意,少了那份興之所致的初衷,但唱歌令人坦露自己,卻是何時何地也不變的定律吧。(文章原刊於<a href="http://www.iatc.com.hk/doc/90574?issue_id=90561">IATC Aritism</a>)默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-79102522269988216342016-07-29T03:40:00.003+08:002016-08-25T12:24:53.781+08:00Abduraimov與浦羅哥菲夫的三協(樂評)<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivGYAPbwJ8IbIRYkkfS8ZbIdY7HS5-AxkFNoqqHn1Teo-d-sPFSYO5c8H5Ii4atW-0-6W3vIMaxGgIP6uv-Opzi55qGyXLt8rN_MerSwufxjqdvvLKmK9Ll0yvhXku1WIBov0h2TPT1VDx/s1600/Behzod+Abduraimov+High+Res+1+-+credit+Ben+Ealovega+and+Decca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="292" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivGYAPbwJ8IbIRYkkfS8ZbIdY7HS5-AxkFNoqqHn1Teo-d-sPFSYO5c8H5Ii4atW-0-6W3vIMaxGgIP6uv-Opzi55qGyXLt8rN_MerSwufxjqdvvLKmK9Ll0yvhXku1WIBov0h2TPT1VDx/s400/Behzod+Abduraimov+High+Res+1+-+credit+Ben+Ealovega+and+Decca.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Behzod Abduraimov</td></tr>
</tbody></table>
比起近幾十年在全球音樂廳「大紅大紫」的馬勒(1860-1911),六十多年前才離世的俄國作曲家浦羅哥菲夫(Sergei Prokofiev,1891-1953)無疑像一匹仍未獲注視的「黑馬」。人們對他的印象,經常停留在1936年他為莫斯科兒童劇場撰寫的「古典入門」音樂《彼得與狼》(單簧管是貓、雙簧管是鴨......),忽略了他是天才橫溢的創作多面手:歌劇、交響曲、芭蕾舞劇、協奏曲、室樂、電影配樂等樣樣皆能,且多有佳作。尤其他的鋼琴協奏曲,暗黑、詭異、激情、轟烈兼備,照理應該跟配器豐富、情感濃郁的馬勒交響風格同樣適合現代人口味才對?不過直至現在,浦羅哥菲夫仍算不上「流行」──至少香港情況是如此。
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七月初聽了一場港樂(HK Phil)音樂會,曲目是浦羅哥菲夫第三鋼琴協奏曲配搭艾加爾的交響曲,冷上加冷,幸好有老而彌堅的阿殊堅納西(Ashkenazy)擔任指揮,觀眾席總算不太冷清。我一直很期待這場演出,原因並非阿殊堅納西,而是負責獨奏的<a href="http://on-classical.blogspot.hk/2015/02/abduraimov.html">阿貝都萊默(Behzod Abduraimov)</a>。這位九十後烏茲別克鋼琴家,去年一月與HK Phil演出拉赫曼尼諾夫第三協奏曲,展現超卓技藝,當時已很期望再聽他演出,這次演的還是浦羅哥菲夫「三協」,自然不能錯過。
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阿貝都萊默近年在世界各世演奏得最多的,無疑就是浦羅哥菲夫的「三協」,因為七年前他憑此曲贏得倫敦國際鋼琴大賽冠軍,被樂評人Michael White讚譽為「最引人入勝的過山車式演出」。自此他便常被「要求」演出此曲。
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跟HK Phil二度合作的阿貝都萊默沒讓我失望。樂曲開初由單簧管吹奏出一小段哀怨俄國旋律(史安祖吹得真好),但隨即被急風驟雨和帶點歇斯底里的鋼琴取代。之後,整個樂章在狂熱、傷感、諧謔之間擺盪。阿貝都萊默的節奏把握得極好,而且用心營造音量對比,於最激烈處,鋼琴和樂團間的張力就像轟隆隆的炸彈,令觀眾血脈賁張。此樂章頗像一幅情感拼貼畫,變化之巨大往往令初聽者吃不消,但卻跟現代人飄忽不定的情緒起伏非常神似。我特別喜歡中後段,鋼琴家重拾最初的單簧管旋律並加以延伸變化的小段過場。感覺就像突然潛進深海:眼前一片湛藍,魚群在旁靜靜游過......一種超現實的寧謐時刻。
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第二樂章包含五個變奏,在最著名的第四變奏裡,鋼琴連串的下行三度音,使聽者彷如置身異域,跟之前的「深海」過場,頗有呼應之妙。可惜小號出現輕微甩拍子情況,略略破壞了本章氣氛。幸好鋼琴和樂團在尾樂章表現俱佳,將「鋼琴和樂團的爭執」(作曲家對本章的形容)展現得淋漓盡致,鋼琴也沒有被樂團巨大音量淹沒,聲效恰到好處。
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阿貝都萊默曾經講過,作曲家本人的「三協」版本(此曲於1921年首演時,由浦羅哥菲夫本人擔任獨奏)給他極大啟發。浦羅哥菲夫彈得比標示速度快,但又確實別具風味。阿貝都萊默彈第一樂章的速度雖不如Argerich或王羽佳般瘋狂,但亦屬偏快。某些快速音階或不夠清晰,但這肯定是我聽過的最有感染力的版本之一。仍要挑骨頭的話,只能說他的身體擺動幅度未免太大了。記得去年看法國鋼琴家Jean-Efflam Bavouzet的演出,最大震撼是他的軀幹竟如磐石般紋風不動,卻一點不覺得他在「用力」(而Bavouzet也是彈浦羅哥菲夫的高手)。如果阿貝都萊默減少軀幹晃動,相信可為樂曲注入更大能量?(刊於2016年7月26日《信報》) 默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-20136804554868222952016-07-16T23:49:00.003+08:002016-07-16T23:49:56.346+08:00從心所欲不逾矩 專訪Vladimir Ashkenazy<!-- Go to www.addthis.com/dashboard to customize your tools -->
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3IXcKN4rVy-bk7jm0EJRofSKQeVYI4agiq7qytRBgFadaUqxXamQGK82eOWKQoEhEQi59LhyphenhyphenVXom2xxFguUOq8zlmL8nq8mlJKS2dekW8EHRzHgdUk6hItV-biY1UklwJWN6tZor5VAkt/s1600/%25E9%2598%25BF%25E6%25AE%258A%25E5%25A0%2585%25E7%25B4%258D%25E8%25A5%25BF%25EF%25BC%2592.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="374" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3IXcKN4rVy-bk7jm0EJRofSKQeVYI4agiq7qytRBgFadaUqxXamQGK82eOWKQoEhEQi59LhyphenhyphenVXom2xxFguUOq8zlmL8nq8mlJKS2dekW8EHRzHgdUk6hItV-biY1UklwJWN6tZor5VAkt/s400/%25E9%2598%25BF%25E6%25AE%258A%25E5%25A0%2585%25E7%25B4%258D%25E8%25A5%25BF%25EF%25BC%2592.JPG" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Vladimir Ashkenazy</td></tr>
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1. <br />
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有些音樂家,未必是你一生中最愛,卻很可能曾在最初引領你跨進古典殿堂、懵懂感知何謂音樂之美。<br />
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記得多年前初聽古典時,我跟很多人一樣由討人喜愛的柴可夫斯基入手。那時買了一張廉價翻版CD,裡面的鋼琴協奏曲彈得燦然生輝,於是順藤摸瓜聽了Mussorgsky、Rimsky-Korsakov等俄國作品。很多年後,我才留意到那張CD的演奏者,原來是阿殊堅納西(Vladimir Ashkenazy)。<br />
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阿殊堅納西堪稱「錄音等身」(三年前Decca推出「50 Years On Decca」Box Set,紀念跟他半世紀的合作),以鋼琴家和指揮家身份灌錄過無數唱片。但相信不少中年古典迷跟我一樣,習慣將Ashkenazy歸入「導論式」音樂家。曾經遇上,卻非終極觸動。<br />
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不過正如黎明化解「關公」危機後令人刮目相看,2014年,很多香港樂迷也對阿殊堅納西有了新看法。當年十月,正值雨傘運動之際,阿殊堅納西本擬來港擔任「第四屆香港國際鋼琴大賽」(蕭邦社主辦)的評判團主席及決賽音樂會指揮(由香港管弦樂團伴奏)。其後主辦者臨時取消比賽,阿殊堅納西竟主動提出不收酬金,與「港樂」舉行兩場免費音樂會。這兩場「獻給香港的禮物(A gift for HK)」音樂會,當時被媒體詮釋為「大師撐傘運」之舉。<br />
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近日,阿殊堅納西再度訪港,趁此良機,我訪問了這位年屆七十八的巨匠,順道了解兩年前的事。指揮家身型矮細但說話有力,講到著緊處還會捏著我手臂。雖然兩度忘記細節要離座「找太太問清楚」,但他清楚表明:「當時,我只是想顯示樂團的生命力。It was simply to help the orchestra, to show that they can still do something in spite of the cancellation of the competition.」<br />
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如此說來,我們是自作多情了?音樂家關心的始終是音樂。不過大師卻透露了一件令他氣憤至今的事:「鋼琴比賽主辦者得知我和港樂舉行免費音樂會,竟生氣了,她說:we no longer welcome you to be the jury head!」其後雖有評審欲挽留,但這位性情中人已心淡,再無興趣和蕭邦社拉上任何關係。(蕭邦社今年的評審名單,已找不到阿殊堅納西的名字)<br />
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古典江湖的恩怨,小薯如我沒資格評論,但阿殊堅納西的處事方式,卻足以反映其人之坦率。<br />
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2. <br />
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雖然有些樂評人不喜阿殊堅納西的演繹風格(「欠缺個性」是常見用語),但他早年的鋼琴錄音其實不俗。譬如我曾擁有的那張翻版「柴記」CD,應是1963年他赴倫敦演出並決定不再返回蘇聯祖國後,由Decca推出的錄音。他彈其他俄國浪漫派作品也值得一聽。法國鋼琴家Jean-Efflam Bavouzet曾經憑Prokofiev協奏曲全集奪得「2014 Gramophone Award(concerto category)」。他便說過,Ashkenazy和Richter的版本,是他最推崇的。<br />
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阿殊堅納西這次來港,帶來的正是Prokofiev(第三鋼琴協奏曲)。擔任獨奏的年輕鋼琴家Behzod Abduraimov,七年前憑此曲贏得倫敦鋼琴大賽,早被視為「浦羅哥菲夫達人」,加上阿殊堅納西這老一輩「達人」擔任指揮,令人期待。<br />
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回溯歷史,阿殊堅納西能夠成為古典界長青樹,跟「時機」不無關係,因他是最早期「投奔西方」的一批蘇聯藝術家,這亦成了他的永久印記。1962年,他(在共產政權脅逼下)參加了第二屆柴可夫斯基鋼琴大賽,獲得冠軍(與美國的John Ogdon共享冠軍銜),翌年卻突然跟冰島裔妻子出走西方;在美蘇冷戰年代,此事的震撼性可想而知。<br />
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提起「出走」往事,大師仍歷歷在目。不過跟我們對「變節」的想像不同,他的出走,原來是一次「臨時」決定,「主謀」則是妻子Thorunn。「收到倫敦的演出邀請後,我向文化部提出,讓妻子陪我一同前往,因她曾長居倫敦,熟識情況,況且前一年也曾隨我到美國演出。」然而成行之日,當局卻只肯發出鋼琴家的出境visa。「你知道嘛,妻子跟我結婚時,當局迫她放棄原來的冰島國籍,宣誓成為蘇聯公民,否則我的演奏生涯便完蛋。那時政府向她保證:『放心,蘇聯是全世界最自由的國家!』」最終妻子的visa獲批,可趕及看丈夫的倫敦debut,但她已對共產政權信心已失。她憤然跟丈夫說:「我們不要回去!」<br />
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妻子這句話,改變了阿殊堅納西往後的命運。<br />
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或許因Thorunn是外國人,「出走」事件後當局沒擺出強硬態度,阿殊堅納西還曾返蘇演奏,「直至某次演出後我的visa被拖延,才下決心不再回國。」是的,這種對共產黨的恐懼,我們都懂。「連蘇聯附近的東歐國家我也不敢去!譬如波蘭吧,我雖贏過蕭邦鋼琴大賽第二名(1955年),但卻絕不敢踏足波蘭開音樂會。」1972年,阿殊堅納西正式入籍冰島,現居瑞士。說起如煙往事,音樂家眼角有淚,以手掌掩臉......<br />
3. <br />
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近廿多年,阿殊堅納西以指揮為主,鋼琴演出為副,近年則只在兩個兒子(Vovka是鋼琴家,Dimitri是單簧管演奏家)的音樂會上演奏。觀眾再無緣得見他彈大型協奏曲的風采。<br />
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在古典界,由鋼琴家過度到指揮家的有好幾位,Ashkenazy、Mikhail Pletnev、Daniel Barenboim,都是難得的「兩棲」音樂家。鋼琴家是如何變成指揮的呢?原來阿殊堅納西從小便熱愛管弦樂,「小時候,我聽的樂團音樂會比鋼琴獨奏會還多!很多曲目都了然於胸。」<br />
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移居冰島後,因丈人(也是指揮家)擁有一隊小樂團,他順理成章試著指揮,沒想到效果甚佳。「由始至終,我都沒真正學過指揮。但我有很多指揮家朋友,會教我一些竅門。」彷彿命中註定,八十年代初,其經理人Jasper Parrott同時也是New Philharmonia(即現時的Philharmonia Orchestra)的經理人,他因而獲得更多指揮機會。如是這般,「指揮家阿殊堅納西」慢慢冒起,曾任捷克愛樂樂團、NHK交響樂團、悉尼交響樂團的音樂總監,也和多國際樂團保持緊密關係。<br />
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姑勿論阿殊堅納西是否你喜歡那杯茶,他對音樂的熱誠,確令人動容。他在訪問裡講過:「我喜歡音樂,但最初並沒想過自己會成功。音樂是我生命的一部分,我不能沒有它,比起事業什麼的,這才是我最重視的東西。」不禁想起孔子的「七十而從心所欲不逾矩」。喜歡便去做,我想,阿殊堅納西已邁進這種化境。十分期待他的指揮演出。默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-26995779067903561382016-06-17T09:38:00.001+08:002016-06-17T09:38:16.839+08:00Viktoria Mullova與澳門樂團(樂評)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD5EGKdJXVYg09gfzK8Yb8GB5V4trEPDbBL5RZWKkJAVMR4pxW2scb_A2-rs-KhZXuRGIInunhNBnvowU5gKvAlePHdSUUmnNv6Y5ezfiOzO_jLrSMgLK61VJB2dTI_MZJX27Uxuk8irC9/s1600/13347005_10153703032252781_4445222160116939238_n%255B1%255D.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD5EGKdJXVYg09gfzK8Yb8GB5V4trEPDbBL5RZWKkJAVMR4pxW2scb_A2-rs-KhZXuRGIInunhNBnvowU5gKvAlePHdSUUmnNv6Y5ezfiOzO_jLrSMgLK61VJB2dTI_MZJX27Uxuk8irC9/s400/13347005_10153703032252781_4445222160116939238_n%255B1%255D.jpg" /></a></div>
生於蘇聯鐵幕時代的小提琴家穆洛娃(Viktoria Mullova),眉宇間透著一股冷冽果敢的氣質。這種氣質,無疑跟其人生經歷有關:1982年,22歲的她才剛奪得柴可夫斯基大賽冠軍,翌年卻戲劇性地選擇變節,投奔美國。多年來在共產國度生活以及逃亡前後的恐懼感,塑造了她嚴肅冷酷的性格,就算拉琴時表情也極為肅穆(相信也跟她的老師是Kogan有關),因而早年常被媒體冠以「冰后」的稱呼。
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五月下旬,穆洛娃到澳門演出一場,我有幸現場聆聽這位傳奇冰后的演奏。起初頗擔心她會像Anne
Sophie Mutter般,徒有精準軀殼而無動人魂魄,但最後發現擔心是多餘的,她的音色雖然含蓄內斂、乾淨樸素,但卻自有一股力量,令人聽後久久不能忘懷。
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音樂會上半場是蕭斯塔科維奇(Shostakovich)的《第一小提琴協奏曲》。此曲誕生於政治不靖的1947至48年,長期執掌「蘇聯作曲家協會」會長的Khrennikov,其時正針對普羅歌菲夫和蕭斯塔科維奇進行整肅,因此這首作品於1955年斯大林死後才得以公演。
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此曲對穆洛娃也是別具意義。1991年蘇聯解體後,她首度回國舉行音樂會。站在當年贏得柴可夫斯基大賽的同一台上,她看著前度愛人阿巴度(Claudio Abbado)的指揮棒,演奏了蕭氏這首作品。阿巴度與穆洛娃曾同居五年,但最終不歡而散,回俄之時,兒子Misha Mullov-Abbado才幾個月大,阿巴度卻對他不聞不問......當年的情景和蕭氏此曲,相信已在穆洛娃內心永留印記。
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協奏曲由沉鬱如孤魂的小提琴旋律展開。穆洛娃運弓清脆利落,琴音並不溫暖,卻清冽如泉,高音部分尤其精彩。而我特別喜歡相連的第三、四樂章。第三樂章一開始,是圓號吹出典型的「Passacaglia」三連音句型,大提琴奏出十七小節ostinato固定低音主題--此主題隨後重複出現,襯托著八段變奏。<br />
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澳門樂團的圓號竟意料之外的好(尤其是首席圓號手吳天遐),溫潤飽滿的音色,靈動的音樂感,緊緊抓著聽眾情緒。小提琴獨奏部於第二變奏出現,穆洛娃清冽的琴音,將蕭氏哀而不慟的旋律,拉奏得恰如其份。到第三變奏,圓號吹起略為變形的低音主題,與獨奏小提琴纏綿交錯,甚有默契,仿若一段精致小巧的雙人舞,令人喜出望外。<br />
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第三樂章的尾段是極富挑戰性的華彩樂段(cadenza),穆洛娃展示出超凡技巧,大量double stops舉重若輕,奏出陰霾滿布和鬼魅的感覺。緊接而來是第四樂章「滑稽曲」,正好緩解之前的沉重。全曲最後在熱烈歡騰的高潮中結束。
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下半場的蕭氏《第五號交響曲》,演出也異乎尋常地精彩,指揮呂嘉(現任北京國家大劇院歌劇總監及澳門樂團音樂總監)應記一功。樂曲開首時,聲音對比未夠強烈,但其後漸入佳境,至第二樂章,更將蕭氏刻意模仿馬勒的諧謔風格玩得出神入化,非常有「馬勒味」。樂團的銅木管部音色皆出色,甚至連巴松管在第二樂章裡的一小段發揮也吹得用心。唯一缺憾,是指揮於激昂處會過份投入,用腳大力踏台板以至跳起,發出頗大「噪音」,使觀眾分神!(刊於2016年6月4日《信報》)默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-17057448875147162192016-05-30T12:30:00.003+08:002016-05-30T12:33:41.213+08:00出走與回歸 鋼琴家Michel Dalberto談法國音樂<!-- Go to www.addthis.com/dashboard to customize your tools -->
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuVF6YAgFSqv3GdcEPzPcl3FvSqB-elqz2xEnbemjelfEc5ZpBtS0gw92qx6cJMec5HvEYEBgRHlmq5E56YkRHo-BM5BmrZxiZWTTy5X8IG9sS4DFCOG-RAhdSxgH9_XK7-UOp4aJd66rF/s1600/IMG_20160528_120121-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuVF6YAgFSqv3GdcEPzPcl3FvSqB-elqz2xEnbemjelfEc5ZpBtS0gw92qx6cJMec5HvEYEBgRHlmq5E56YkRHo-BM5BmrZxiZWTTy5X8IG9sS4DFCOG-RAhdSxgH9_XK7-UOp4aJd66rF/s400/IMG_20160528_120121-1.jpg" /></a></div>
這個五月,莫奈(Monet)十七幅真跡來襲,掀起一輪法國印象畫派熱潮。其實十九世紀法國,是全球藝術潮流指標,而當時的法國音樂,亦開創了嶄新風格,在音樂史裡留下重要一章。或許有見及此,「法國五月」在莫奈之外還邀來法國殿級鋼琴家戴柏圖(Michel Dalberto),演繹德布西、拉威爾等作品。離港前,戴柏圖接受專訪,詳述了他對法國音樂的想法。<br />
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戴柏圖給人的第一印象是「非常法國的男人」。外套、襯衣、袋巾、襪子皆是同一色系,時裝觸覺一流;主持大師班時,絕不乖乖端坐前排,而是倚牆而立,談笑風生;不刻意遮瞞與同行友人的親密關係,情感磊落.....<br />
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然而且慢。若細看大師四十年來擅長的曲目,你會發現他傾注大量時間鑽研的是德奧作品(是唯一仍然在世、灌錄過舒伯特鋼琴全集的鋼琴家);直至近幾年才轉向法國音樂。<br />
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「年輕時,法國音樂對我沒什麼吸引力。那時佛瑞(Fauré)根本不是我杯茶,如今我卻深深愛上他。或許因為現在我沒舊時那麼愚笨吧!」由上世紀七十年代入讀巴黎音樂學院(Paris Conservatoire),師從Alfred Cortot愛將Vlado Perlemuter,到如今步入六十耳順之年,才真正回歸French music,戴柏圖笑言:「it's about time to come back home」。<br />
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弗朗克(Franck)、佛瑞、德布西和拉威爾(Ravel)代表了一個世紀多的法國鋼琴風格,其中印象樂派主將德布西,最喜探索非正統和聲與調性,在印象主義畫派和象徵主義文學影響下,其作品就像以聲音來描繪光影和色彩的瞬間變化。德布西作品感性而意象豐富,戴柏圖這次演出的曲目,便包括他的《意象》(第二冊)。第一首〈鐘聲飄過樹葉〉用了五聲音階,甚有中樂韻味和禪意畫面。第三首〈金魚〉,靈感來自德布西工作室的同名日本漆畫。好奇問大師:「彈德布西時,你會有視覺聯想嗎?」沒想到大師斬釘截鐵答:「I am not a visual person.」<br />
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戴柏圖一邊喝著咖啡,一邊解釋:彈琴時他腦裡只有樂譜上的音符和指示,這裡是crescendo,那兒是pianissimo,速度標注是Adagio......「音樂家就是盡量忠實地反映作曲家原意。」他坦言非常討厭某些音樂被畫面「騎劫」了,「譬如每次聽到馬勒第五交響曲的Adagietto 便立時想起電影《魂斷威尼斯》的畫面(該電影以此樂章作配樂)!」<br />
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由此,我們或可推想戴柏圖理解音樂的方式,較偏向知性一面(intellectual)。所以他不好德布西,卻鍾情佛瑞,因後者作品以複調(polyphony)為主--知性者總是愛從音樂結構感受美。<br /><br />
「最初引起我對佛瑞興趣的,是歌唱家Cuénod。」Hugues Cuénod是傳奇人物,除正統聲樂,也愛在巴黎河左岸的爵士酒吧獻唱。他於84歲高齡在大都會歌劇院參演歌劇《杜蘭朵》,104歲與相戀廿年的同性伴侶正式結合,2010年離世,享年108歲。
「七十年代我贏得Clara Haskil鋼琴大賽後,偶然在朋友家中聽到他唱佛瑞的歌。」這是戴柏圖愛上的佛瑞的起點。
佛瑞早年就讀的Ecole Niedermeyer,重視對位法和早期音樂,影響了他的風格。「他晚年耳朵漸聾,聽不清高音,所以寫樂時集中在中音區,而且幾乎全是複調。」戴柏圖以「crossword puzzle」形容佛瑞作品,「起初你會很迷失,不明白其harmonic progression是什麼回事,但慢慢會發現他寫出來的和聲組合,就是『唯一的選擇』!」<br />
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戴柏圖從去年開始灌錄一系列法國作曲家作品,頭炮是德布西專輯。為配合不同作曲家的風格,他打算選用不同牌子的鋼琴來演奏他們的作品。他為德布西選了意大利名琴Fazioli,至於佛瑞,他想選 Bechstein,「我師Perlemuter說過,佛瑞常要求別人清晰地演奏作品裡的低音。 Bechstein的低音出名清晰,正好合適。」佛瑞不是「大熱」的古典作曲家,不過戴柏圖的由衷推介,或會令你動心?
(U Magazine,2016年5月26日)
默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-196690956190793892.post-31703263161567283282016-05-27T13:01:00.001+08:002019-07-12T12:07:09.155+08:00Khatia Buniatishvili鋼琴獨奏會<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinU7GscdX0WRV8iXjfN8HA1k8n8vE641TGUcTBCv6qs2qGJMkN-GUOpWt70R_Nfe-rjzOaZzHXbY4RcpL4cwenae86lQSNpJg5J2R-g57q-DLFZKl2cNzfYbgQopHiE9U1tqgi5die538Z/s1600/1739704fe9469446d01693ae8e55ff13.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1068" data-original-width="1600" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinU7GscdX0WRV8iXjfN8HA1k8n8vE641TGUcTBCv6qs2qGJMkN-GUOpWt70R_Nfe-rjzOaZzHXbY4RcpL4cwenae86lQSNpJg5J2R-g57q-DLFZKl2cNzfYbgQopHiE9U1tqgi5die538Z/s400/1739704fe9469446d01693ae8e55ff13.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Khatia Buniatishvili(圖片來源:HKU MUSE)</td></tr>
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一場技術超卓但無法觸動心弦的音樂會,到底算不算是好演出?這是聽完賓尼亞堤菲莉(Khatia Buniatishvili)在香港舉行的debut鋼琴獨奏會後,一直在腦海裡徘徊不去的問題。
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這位來自格魯吉亞的廿八歲女鋼琴家,近年在歐美備受關注,不過這「關注」既包括粉絲對她驚雷閃電般速度的傾倒讚美,亦含樂評人對她不留情面的劣評。其中爭議最大的當數Andrew Clements去年刊於<a href="https://www.theguardian.com/music/2015/apr/02/khatia-buniatishvili-review-wigmore-hall-london-liszt">《衛報》的評論</a>。<br />
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Clements以「輕率、不成熟」(rash, immature)來形容她在倫敦Wigmore Hall的演出,既嘲諷她「以為更快更大聲就是好」(that ever faster, ever louder, is automatically the best way to go),復質疑她沒資格成為認真的藝術家(serious artist)。年輕的賓尼亞堤菲莉對批評亦相當動氣,在twitter<a href="https://twitter.com/buniatishvilikh/status/584107590679994368">寫了一封長信</a>反駁,引起網民熱議。<br />
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Clements的評語「尖酸刻薄」,不過我得承認,聽過賓尼亞堤菲莉的演出和目睹觀眾的熱情反應後,我頗感謝他寫出我部分心情。<br />
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賓來港演奏的曲目,包括李斯特一些炫技曲及兩首重點作品:穆索斯基《Pictures at an Exhibition》和史達拉汶斯基《Trois mouvements de Petrouchka》(二者皆收錄於她的新唱片「Kaleidoscope」)。我特別想談談《圖畫展覽會》。<br />
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此曲是穆索斯基1874年為紀念畫家兼建築師亡友Victor Hartman而寫的鋼琴組曲。除了反複出現的〈散步〉(Promenade)主題樂段,每一樂章都是Hartman一幅畫作的「聲音掃描」。此曲曾被拉威爾改編為管弦樂作品,因而廣為人知,但它的「本來面目」絕不遜於管弦版,個人認為,前者甚至更有風味。<br />
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家中藏有一張Sviatoslav Richter的1958年保加利亞現場錄音版本,是很多樂迷心目的《圖畫展覽會》終極版本。Richter把每幅「畫」都彈得活靈活現,奇詭怪異與莊嚴肅穆兼而有之。一直想聽聽其他鋼琴家的現場演繹,這也是我入場欣賞賓尼亞堤菲莉獨奏會的原因。<br />
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音樂會於3月20日在港大舉行,賓尼亞堤菲莉的技術絕對毋庸置疑,不過有時卻流於機械化演繹。尤其強音部分,只一味大聲,欠缺細膩樂句處理和靈魂,令人頗感失望。這情況在首次〈散步〉主題後的〈侏儒〉(Gnomus)樂章已見端倪。Gnomus是童話故事裡的醜陋侏儒,穆索斯基用了急速短小的樂句來描畫幽深詭秘的氣氛。Richter彈這一章時,對樂句尾的延長號(fermata)處理得極為用心,將停頓的時間拉得很長,使得旋律終止後仍彷彿透著一股詭異寒氣。(這令我想起音樂人戴樂民一句說話:「音樂其實存在於音符與音符之間。」)可惜來到賓尼亞堤菲莉手上,樂句之間的「呼吸空間」完全被漠視,句與句幾乎沒有停頓,非常「擠擁」,一點詭異氣氛也感受不到,只覺得「趕頭趕命」。<br />
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第二幅畫〈古堡〉也不太理想。樂評人Clements的刻薄用詞是interminable(冗長),我則認為「拉牛上樹」比較貼切。此樂章本應充滿迷離感,但她彈得沉重陰柔,速度又過慢,聽起來渾身不自在。其實,她偶然也有神來之筆,譬如〈窮富猶太人〉(Samuel Goldenberg and Schmuyle)的玻璃般的音色我便很喜歡,但之後的〈里莫日市集〉(描畫市集婦女在說長道短),所有音符由頭響到尾,飆出瘋狂速度,卻欠缺樂句線條和層次,個人認為,實在連合格也談不上......<br />
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音樂會結束後,大量粉絲排隊索簽名,觀眾對這位鋼琴家的演繹風格似乎頗為認同,這使我感到非常疑惑。聽音樂當然涉及個人口味,但我總認為:口味縱或主觀,但並不代表世上沒有品味優劣之分。當大眾對virtuoso越來越趨之若鶩,還有多少空間留給音樂的內涵?<br />
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(刊於2016年4月19日《信報》)<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipTqrYv8dPGFN8iMdO3Fpixummm5lY3rPD5KWPtd8VPof8fWeS4d-sxlJDMvlJ0alslCJgUbU9PINNXKGAoj8RBlr66Mz_DVNMAqMfZxrbl45TVddOPumyEqPQqYptb__NjRPMPd2Ahf1Z/s1600/Stephen+Hough+credit++Sim+Canetty-Clarke.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipTqrYv8dPGFN8iMdO3Fpixummm5lY3rPD5KWPtd8VPof8fWeS4d-sxlJDMvlJ0alslCJgUbU9PINNXKGAoj8RBlr66Mz_DVNMAqMfZxrbl45TVddOPumyEqPQqYptb__NjRPMPd2Ahf1Z/s400/Stephen+Hough+credit++Sim+Canetty-Clarke.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">phtot credit: Sim Canetty-Clarke</td></tr>
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政治哲學家Isaiah Berlin曾經將思想家分為兩類型:箭豬和狐狸。箭豬只專心致意於鑽研一種學問,狐狸則興趣廣泛,可同時精專多個範疇。
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若將此分類套用於古典音樂界,我想大部分演奏家應該都是「箭豬」型吧:會將畢生精力集中於音樂這範疇。不過生於英國、擁有英澳雙重國籍的鋼琴家霍夫(Stephen Hough,又譯為侯夫或賀夫)卻是例外。他毫無疑問是「狐狸」型,因為除了演奏和教學,他還通曉作曲、繪畫、雜文、詩歌等,是名符其實的「renaissance man」,或簡稱「才子」。2009年,《經濟學人》旗下的《Intelligent Life》雜誌便選了他為「20 living polymaths」之一,同一名單上還有Umberto Eco、Noam Chomsky等著名文化人的名字 。<br />
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Stephen Hough 將於下周一(5月30日)<a href="http://www.pphk.org/concerts/recitals/stephen-hough/" target="_blank">來港演出</a>,曲目跟去年十月他在倫敦Barbican Centre舉行的演奏會相同(該音樂會獲《衛報》「五粒星」最高評價)。明年三月,他還會與港樂(HK Phil)合作貝多芬的第五「皇帝」協奏曲。趁此機會,我以電郵訪問了這位多才多藝、文筆風趣幽默、是同志又是天主教徒的鋼琴家。<br />
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1961年出生的Hough,17歲獲「BBC青年音樂家獎(鋼琴類別)」,後赴美國茱莉亞音樂學院學習,1983年獲諾姆堡鋼琴大賽(Naumburg International Piano Competition)冠軍。他擅長的曲目眾多,尤以李斯特和聖桑的演繹最得樂迷歡心。不過他曾講過:I'm not satisfied with preserving the fingerprints of others。單是彈「別人的歌」,不能完全滿足他。「我喜歡作曲,這是deeply personal的活動。自從懂得看樂譜,我已開始寫曲,不過21歲展開職業演奏生涯後曾經暫停了一段時間,只寫些簡短安歌曲和改編別人的作品。」直至十年前,他才再度執筆創作,作品涵蓋鋼琴曲、室內樂和管弦樂。「其實二十世紀前,所有演奏家都懂得作曲,但五十年代開始,這種傳統便沒落了。我想,作曲對演奏者來說是很重要的。」<br />
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這次來港,他將演奏舒伯特、李斯特和法朗克的作品,以及自家創作的《第三奏鳴曲》。此曲副題是「Trinitas」(三位一體),但Hough強調跟其天主教信仰無關。「作品是天主教雜誌《The Tablet》委約我撰寫的,它是我第三首奏鳴曲,分為三個樂章,所採用的十二音列又使用了很多三度音程......因此『三位一體』看來是蠻不錯的標題吧!」<br />
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宗教和音樂,看來風馬牛不相及,但Hough看到共通點:兩者都包含規矩/教條,而人可選擇受限於教條,或解放教條。「I set the dogma of 12-note technique alongside the dogma of the Trinity with as many questions as answers.」<br />
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「十二音列」向來令古典迷皺眉和扁嘴。由巴洛克到二十世紀初,西方古典音樂皆建基於調性與和聲,因而也稱為「調性音樂」(tonal music)。不過當調性被華格納、德布西等作曲家推向極致,隨之而來的,無可避免是調性的徹底搗毀。荀伯克(Arnold Schoenberg,1874-1951)的無調性(atonal)作品和「十二音列作曲法」(12-note technique),正是如此時代的產物。荀伯克嘗試以十二音列作曲法取代調性寫作法,希望令所有音符變得「平等」,打破「主音(tonic)就是統領或依歸」的調性寫作定律。
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Hough曾在<a href="https://www.theguardian.com/music/2015/oct/23/stephen-hough-third-piano-sonata-12-tone-technique">《衛報》撰文</a>,指他的《第三奏鳴曲》是嘗試「用十二音列作曲法去質疑此技法本身」(use 12-note technique... to question the technique itself)。嘗試是否成功,有待聽後分曉,但這帶著playfulness的創作意圖,頗能反映鋼琴家愛思考和慧黠的一面。事實上,讀這位鋼琴家的文章(<a href="https://www.blogger.com/stephenhough.com/">Hough的個人網站</a>有其文章、樂曲解說文字和繪畫作品),會發現此君既串嘴,又貪玩。他曾是英國《電訊報》特約博客,寫作題材廣泛,包括音樂、神學、帽子、茶、香水等,不過他的畫作則較為沉鬱(不愛用畫筆,多用palette knife刮顏色)。
好奇問他,這些涵蓋不同範疇的藝術創作,有否一以貫之的「簽名風格」?他答:「這是有趣問題!我想某程度上是有的,但我不懂如何用文字表達。我只想到一些零碎意念:質感、狂喜、有秩序的熱情、如歌的文字(我的文字作品)、如文字的歌(我的音樂作品)。」<br />
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Hough的鋼琴演出,的確近乎「有秩序的熱情」,帶著一種知性的冷靜。他演繹的李斯特頗有風味,2013年一間iPad app公司(Touch Press)便邀他製作了一個<a href="http://lisztsonata.touchpress.com/">李斯特《B小調奏鳴曲》教材</a>。這個app的使用者,可用多個角度欣賞Hough彈奏此曲(包括手指和臉部特寫),還可配合共時滾動的樂譜和霍夫的樂曲旁述。對於古典音樂迷來說,這app非常方便,彈指間已可獲取大量樂曲知識。<br />
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事實上,隨著IT和網絡普及,不少人都已習慣用Youtube或Spotify之類的網站或串流平台搜尋/聆聽古典音樂。但霍夫對此現象頗為擔心:「錄製高水準的古典音樂演奏,是很花錢的事,除非有商業贊助,否則幾年後,將不再有公司願意錄製古典音樂了!」他的答案著實令人心驚。或許,一個新錄音缺席、商店只充斥名家舊錄音的時代,已距離我們不遠?默泉http://www.blogger.com/profile/15581454015863854417noreply@blogger.com0